甫開場李偉能向觀眾提問一連串有關舞蹈的基本概念，就像在叩問，怎樣的動作才能表達愛、苦、身體部分、當代舞蹈，甚至怎樣的開始才算是開始，怎樣的互動才叫互動。舞者一個人邊述說詞句邊做相應的典型動作，如說「Love」時便來一個自我擁抱，但重複幾次之後語言卻開始與動作對不上，準確來說是身體剝離於意志（語言），舞者的自我意識慢慢從社會約定俗成的既定印象中抽離，但仍然要黏附被舞台本身定型的空間之內。以致舞者會假意邀請與觀眾互動，途中觀眾席就像完場時一樣突然光亮，而舞者又會大力拍掌。舞者通過玩弄這些既定常識，包括對劇場的符號，以及當代舞蹈的符碼，去展示他如何再思考表演的意義及意圖。他會做一些大開大合，或身體流動的動作，並稱之為「當代舞」，來質疑當代舞乃至表演是否必須是如此刻板的印象。如此，對我來說《回聲摺疊》的回聲，並不只是上述的身體與語言的不協調，而產生的反思及思考迴盪，李偉能通過是次質疑舞蹈本質的演出，其作為舞者內在對舞蹈的期望，如何渴望超脫即便所謂無限制卻諸多局限當代舞蹈程式，但因為身體最終還是滯留於舞蹈／劇場語言，內在的思想還是走不出肉體之外。舞者透過是次舞作，就像不願從俗的內心敲打已習慣當代舞的身體的幾道大門，而產生摺疊的聲音。

下半場另一位編舞柯志輝的《身體之後》，邀請了伍美宜一同表演。和《回聲》不同的是，作品不是向內探索，反而像是在皮膚表面滑動，通過強烈而多變的燈效去改變肢體的形狀，沿着肉體表面去找出那條身體的邊界虛線。就是說，或者《身體》有它的基本主題，但我認為並不是演出的重點，重點是舞者及燈光來改變空間的構成，讓觀眾具體地看到舞蹈的更多面向。例如兩位舞者做着差不多動作，卻因為處身於不同的冷及暖色的燈光之下，而成就不同形態的舞蹈空間。又舞者在漆黑的舞台上把玩一個帶強光的燈泡，燈流穿過身體，撫摸對方，舞者因着比激烈的光與暗之下，所能在光之下呈現的身體形狀也隨之轉變，至少在觀賞上確實變得可以超越人體結構的界線，觀眾所看到的是光線照射到的身體局部，那個扭曲了卻仍然優雅的肉身邊線。

看過場刊才知道《二延體》是兩位年輕編舞的創作延續，然而我發現比對如何讓舞蹈創作實際地發展下去本身，兩位同樣從海外學成回來的舞者，更關心表演的意義，乃至跳舞的基本衝動。或者《回聲》與《身體》是兩極地向內在與外在身體的探索，但最終我感受到他們強烈地想向觀眾甚至舞蹈本身叩問，為何要表演？這令我看到香港舞蹈的更多轉機，不論是在這些將有更多發展的新晉舞者身體上，更重要是他們在渴求突破，不甘於僅僅回到機械式編舞、製作、售票、完成報告的編制上。這份舞者的創作初衷，才最觸動人心。

觀賞場次︰2016年9月10日 8pm，CCDC舞蹈中心

 文章已刊於《舞蹈手札》2016年10月