聽音樂會，最怕兩件事，一個是台上的人演得太差，一個是台下的人習慣不好，台上的人演得差有時還情有可原，但台下的人如果手機響、亂拍手、愛講話，那還真是……，不過就好好的聽完一場音樂會，應該不用專業訓練吧。

很久以前我也寫過觀眾的現像，不過前陣子我發現一篇好文，於是我情商作者，讓我可以轉貼在這邊。

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聽音樂會近二十年，總是發現一些奇特怪象。只是最近數場音樂會，實覺如此怪象竟有變本加利之趨勢。雖說積習難改，還是讓人不免憂心。

音樂會裡，最讓人尷尬且提心吊膽的，就是鼓掌時機。許多聽眾過度熱情，每樂章間鼓掌不說，甚至一逮到休止就出手，樂曲還沒完就鼓掌，嚴重破壞演出者與其他聽眾的情緒。

有人說，音樂表演既然是表演藝術，感覺對了，為何不能在當下大聲喝采？像柴可夫斯基《第一號鋼琴協奏曲》和《小提琴協奏曲》，第一樂章結構完整，結尾更是輝煌燦爛，為什麼聽眾非得等到三個樂章結束才能叫好？國外(以美國為最)也有觀眾隨便鼓掌；在海頓、莫札特的時代，音樂會觀眾胡亂叫好不說，更是可以隨時要求再演奏。為何我們就一定得守這些規矩，要拿重重道理限制自己的感情？

音樂會的禮儀，本來就是由約定俗成而逐漸發展，和音樂會性質一同改變演進。在十九世紀名人技當道的時代，音樂會常是超技名家炫耀功夫的場所，而觀眾也正是為了看特技表演或明星魅力而來。「每次我演奏完貝多芬《皇帝》鋼琴協奏曲第一樂章導奏的華彩樂段後，觀眾沒有不叫好鼓掌的！」曾首演李斯特《奏鳴曲》與柴可夫斯基《第一號鋼琴協奏曲》的大鋼琴家與指揮家畢羅(Hans von Bülow, 1830-1894)，就曾這樣得意地和人形容自己的成功。對他而言，顯然觀眾即興的鼓掌叫好完全是音樂會的一部份，還是他所期望的回應。甚至，他還建議鋼琴後進要在連續困難樂段之始「故意彈錯音」，這樣聽眾才會知道其後的樂段有多困難，方能贏得更熱烈的掌聲。

如此馬戲團式的音樂會情景，如今已成歷史陳跡。今日有誰在看了鋼琴家彈完貝多芬《告別》奏鳴曲第一樂章序引的艱深和弦後大聲叫好，或在小提琴家征服拉羅《西班牙交響曲》的繁瑣音符時高呼讚美，只會被立即請出音樂廳。這並非表示現代聽眾不懂得珍視演奏者的技術成就或個人丰采，而是音樂會禮儀經數百年歸納反思後，至今以尊重藝術創作、維護藝術作品呈現為準則。在海頓的時代，音樂家地位和僕人相當，莫札特甚至曾被安排到與雜役一同用餐。作曲家雖努力創作，但雇主多僅將其當成實用配樂與娛樂點綴，而非視為藝術。巴黎歌劇院直到二十世紀初，觀眾都還可在包廂內隨意飲食走動、高聲談笑，聲量甚至足以蓋過演出者。如果今日我們還抱持這種態度，不把藝術表演當成一回事，甚至不把音樂表演當成藝術，那麼也就不用繼續討論音樂會禮儀。反之，如果願意尊重表演藝術，也就該正視音樂會禮儀發展的方向，而不該拿他國無知樂迷的不當行為，甚至二、三世紀前的音樂會現象來推卸責任。

至於為何必須等到作品結束才能鼓掌，原因仍是尊重作曲家創作和維護作品構想完整呈現，並尊重其他聆賞者完整欣賞作品的權利。就以柴可夫斯基《第一號鋼琴協奏曲》為例，其第一樂章華麗壯美的結尾確實讓人難以按捺鼓掌的衝動，某些熱情聽眾也「理所當然」推想演奏者必定樂於接受掌聲。但鼓掌的結果便是音樂為觀眾「具情緒性的噪音」打斷，接下來第二樂章極為幽靜的弦樂撥奏與長笛詠嘆則頓失對比，作曲家精心設計的強弱反差也就大打折扣。即使樂團在兩個樂章之間略為調音，但調音過程本身仍是「無情緒性的噪音」，干擾再強也未有觀眾掌聲嚴重。演奏家固然喜愛熱情觀眾，但不必也不該以犧牲作品效果為代價。

尤有甚者，作品樂章間可能不只是強弱反差，還有調性上的對比。像蕭邦《第三號奏鳴曲》，其第一樂章為b小調，第二樂章則採降E大調。依據和聲學原理，如此調性設計在聽覺上將形成不穩定的遊移效果，而蕭邦也的確在短小的篇幅中以快速流暢的樂想縱走第二樂章。如果觀眾冒然在第一樂章結束後鼓掌，則其與第二樂章細膩的調性與情感對比也就損失殆盡。多數演奏家一生皆在探求作品深意，自然不願見到經年累月的用心一次次毀於觀眾過份熱情的掌聲之中。聽眾若想真正了解蕭邦的音樂設計，更該完整聽完整曲而非以掌聲打斷。

既是情感對比，又是調性反差，難道非得研究到這種地步才能聽音樂會？難道就沒有一個「鼓掌公式」可以遵循嗎？其實最簡單的判斷法則就是回歸基本：作曲家既然沒把掌聲寫在樂譜上，詮釋與演出本身自不因缺少觀眾的掌聲而失色。如果不能確定要不要鼓掌，那就別鼓掌為宜。歌劇演出之所以能在詠嘆調唱段後鼓掌，一方面是戲劇舞台傳統，一方面也是許多作曲家以詠嘆調為段落思考，給予觀眾鼓掌的空間。不過，筆者還是情願把作品未結束前的掌聲當成室內二手煙—如果沒有把握演出者與全場觀眾全部同意，還是等到作品結束後再鼓掌為宜[1]。

然而奇怪的，是「鼓掌公式」難得遵守，「咳嗽定律」卻每每奉行—愈是安靜的段落，愈有人咳嗽。如果咳嗽還不足以破壞演出，許多電子裝置也一定會以科技補自然之不足，圓滿達成使命。作曲家沒寫下掌聲，自也沒把咳嗽清痰、手機鬧錶、重物墜地、打情罵俏、教訓小孩、夫妻反目等等聲響寫在樂譜。聽眾真的不能控制自己嗎？倒也未必。筆者至今仍然懷念在SARS時的幾場音樂會，全場靜默，無人敢咳，真是奢侈的夢幻。觀眾是否真有一到樂章間就非得咳嗽的必要，答案不言可喻。

和鼓掌一樣令人困惑的，則是鼓掌時的喝采。許多聽眾不明其意，也就亂喊一通。「Bravo」是「好極了」，「Encore」(或是拉丁文的「Bis」)則是「再來一次」。前者是純粹的致敬，後者則希望演出者能重奏(現在被用為「再奏一曲」之意)。不知為何，許多人兩者不分，把「喝采」和「加演」混為一談，也就造成演出者的困擾。要求加演或重奏，其實是非常自然的心理反應。音樂是時間的藝術，既不能留下美好片刻，那就再來一次吧！在沒有錄音的時代，演奏家為讓聽眾了解樂曲，有時甚至還會自行重奏。畢羅就曾在指揮貝多芬《第九號交響曲》後，認為「如此偉大的音樂，只聽一次怎能了解？」，竟然令人關閉出入口，把全場聽眾硬留下來再聽一次全本貝多芬第九，被人戲稱為指揮「貝多芬《第十八號交響曲》」。以往歌劇演出中，聲樂家唱完著名詠嘆調後往往安可聲不斷，聽眾就是希望能再聽一次。在今日以尊重作品完整性的考量下，聲樂家鮮少真的重唱，但也有例外。當今男高音當紅炸子雞里契特拉(Salvatore Licitra)，就在演唱《遊唱詩人》著名的艱深詠嘆調〈看那可怕的烈焰〉後重唱一次。聲名更亮的花腔男高音佛洛瑞茲(Juan Diego Flórez)，甚至在唱完《聯隊之花》著名的九個High C後，把這段折騰死人的詠嘆調再唱一次，等於連飆十八個High C！如此藝高人膽大，果然轟動全球而成票房保證的鑽石明星。

演奏家選擇安可曲，不但是學問，更是藝術，甚至是責任與挑戰。許多音樂家不奏安可曲。畢竟，如果想說的話都在節目裡說完了，音樂會也該就此結束。如果安可與音樂會曲目無法搭配，反而畫蛇添足。也有演奏家極愛安可曲，一出手就是四、五首不說，甚至發展出「安可曲小音樂會」。紀新(Evgeny Kissin)2007年美國巡迴中在芝加哥演奏十首安可，到紐約甚至彈了十二首，到晚上十一點四十五分才結束音樂會，堪稱當今最享受加演的音樂家。也有許多名家以特定曲目做自己的「音樂簽名」。當鋼琴大師霍洛維茲(Vladimir Horowitz)彈奏舒曼《夢幻曲》，小提琴巨匠米爾斯坦(Nathan Milstein)演奏自己改編的李斯特《安慰曲》時，聽眾也知道音樂會即將結束。而在精心設計下，安可曲甚至能和正規節目呼應。葛濟夫(Valery Gergiev)指揮柴可夫斯基《天鵝湖》選曲後，常以華格納歌劇《羅恩格林》第三幕前奏曲做安可，用天鵝騎士傳說來回應受詛咒的天鵝公主，確是深思熟慮的加演。

也有音樂家把安可當成甜蜜的反擊，要給聽眾音樂會所沒聽到的完美。俄國鋼琴家魯迪(Mikhail Rudy)來台演奏布拉姆斯《第二號鋼琴協奏曲》，第二樂章因指揮失誤而遭到牽連，竟漏了一小段旋律。他的第一首安可，就是把長達九分鐘的第二樂章再彈一次，還給聽眾完整的演奏。小提琴家拉赫林(Julian Rachlin)更是可愛。他以絕佳技藝打破國家交響樂團慣例接連兩年受邀，第二次來台他又準備同一曲易沙意艱深的《第三號無伴奏小提琴奏鳴曲》當安可，原因竟是他覺得上次安可拉得不夠理想，這次非得在同地點扳回一城！

但無論如何，加演並不是演出者的責任。加演與否，加演曲目多寡，完全視演出者的心情、體力、個人意見而定，聽眾只能接受台上的決定。同樣演奏蕭邦第二號鋼琴奏鳴曲《送葬》，波里尼(Maurizio Pollini)可以在演出後安可四曲，追加三十分鐘歡樂大放送，齊瑪曼(Krystian Zimerman)就選擇完全不加演；齊瑪曼並非刻意不演奏安可曲的音樂家，他不在演出《送葬》奏鳴曲後加演，或許體力耗盡，也有可能選擇讓樂思不受干擾地停留在感傷而鬼魅的陰森世界，但無論原因為何，觀眾都必須尊重。卡拉揚(Herbert von Karajan)當年聆賞福特萬格勒(Wilhelm Furtwängler)指揮舒曼《第四號交響曲》，深受震撼之餘竟決定打道回府，寧可放棄下半場也要讓該曲完美地留在腦海。我們雖不必如此極端，把完美演出後的整個下半場當成加演，但至少也該體會音樂家「不加演的用心」。

此外能否加演，演奏者角色與演出曲目往往是關鍵。以協奏曲為例，前一分鐘還是全員合作，安可曲卻變成個人獨秀。若無指揮允許，為尊重樂團，許多演奏家絕不會在協奏曲後加演[2]。更何況，很多曲子根本不應被要求「加演」。像柴可夫斯基《悲愴》交響曲和馬勒《悲劇》交響曲，如果台上演出真是淋漓盡致、全心投入，觀眾「正確」的反應可能連掌聲都不該有。另外，無論作曲家是誰，在「安魂曲」後要求加演，就像在棺材店要求買大送小，實是奇怪無比—就算演出者願意加演，又能表演什麼呢？朗誦大悲咒不成？

如果連「加演」都可以被一些觀眾視為「責任」，那音樂會後的簽名會也往往被當成「義務」。許多觀眾為求簽名不擇手段，音樂家勉力配合也就不折手斷。波哥雷利奇(Ivo Pogorelich)來台演出協奏曲，首站新竹音樂會後觀眾傾巢而出、循環排隊，鋼琴家簽到體力透支，到台北只得限縮名額；這無關是否大牌，而是能力限制。更奇特的，是許多聽眾不拿CD或海報，隨手撕張白紙就希望音樂家簽名。音樂家自然希望簽和他們相關之物。隨意索取簽名，那所得也就只是到此一遊的塗鴉，其心態也是對演奏者的不尊重。

最後，音樂會獻花也是一門重要卻為人嚴重忽略的禮儀。世界多數音樂廳都指派專人獻花，觀眾不得自行捧花上台。特別熱情的俄國則是觀眾擁向台前，站在台下執花給演出者。然而，台灣人的熱情實為世界之最，不但樂於獻花，更愛衝上台獻花。經過多年生聚教訓，樂迷體認到獻花已不稀奇，更發展出當場致獻禮品玩偶的獨門招數。只見台上鮮花與Kitty貓齊飛，樂迷與演出者一色，真是普天同慶、舉國歡騰！

然而，筆者雖然認識許多音樂家，卻從沒上台獻過一次花，甚至還冒著被花店老闆海扁的風險鼓吹大家盡可能不要獻花。何故？

一、花束自擾擾人。鮮花雖美，但捧持不易。稍不留神，則包裝紙磨擦聲、捧花翻覆聲、水灑驚呼聲、踩水摔倒聲此起彼落，音樂會自大受干擾。即使花朵平安上台，演出者接受一束即可，接受多了也搬運困難，徒增困擾，最後只得分送親友。筆者就多次無功受祿，空手聽音樂會卻滿載鮮花回家。如果沒有把握演出者能夠載運大量捧花，或不希望鮮花最後淪落至筆者這般閒雜人手上，還是以不獻花為佳。

二、演出者可能不喜歡花。不喜歡花的原因很多，最直接的便是對花粉或花香過敏。鋼琴家齊柏絲坦(Lilya Zilberstein)便是一例。她對花香過敏，總是小心翼翼。誰知有次音樂會，聽眾出於好意，獻了大捧香水百合。她當下並無不適，五分鐘後卻淚流滿面、兩眼發紅，連安可曲都無法彈完，只得道歉重彈，徒增尷尬。齊柏絲坦並非音樂界特例。像大都會歌劇院的次女高音王牌鮑蘿蒂娜(Olga Borodina)，雖然氣力強勁，卻也對花香過敏。無論至何處表演，她的合約總不忘交代，舞台和旅館中絕對不能出現香花。有次她邀請齊柏絲坦和小提琴家凡格洛夫(Maxim Vengerov)至大都會聽她演唱《卡門》，誰知舞台上雖沒香花，但前一場的花香卻沒散掉。她出場一聞，喉頭立緊，聲音大受影響。第二幕開始前就請工作人員代向觀眾道歉，劇院甚至已請好代打在後台預備。雖然鮑蘿蒂娜最後還是撐完全場，但情況之淒慘可想而知。「不知內情的人，真的很難體會對花香過敏者的辛苦！」若不知演出者是否能接受鮮花，最好還是別送為宜。

三、尊重演出專業，尊重舞台地位。對筆者而言，這是真正的原因。筆者自己也曾上台表演，開過小型獨奏會，深知「台上一分鐘，台下十年功」的道理。無論演出是技驚四座抑或荒腔走板，舞台仍屬於演出者而非觀眾。即使觀眾中臥虎藏龍，不乏能人異士，隨時可將台上演奏者取而代之，但不屬於那個舞台，無論是誰，除了演岀者和工作人員外，都不該踏上舞台一步。這也是為何俄國觀眾再怎麼熱情，也只敢從台下遞花，而非親自跑上舞台之故。不只音樂會如此，此理更適用於所有舞台藝術。唯有台上台下皆正視舞台的「抽象神聖性」，把「踏上舞台」當成嚴格的要求，對舞台永遠表示謙遜與自律，表演藝術才會不斷進步。尊重舞台，不只是尊重演出者，更是對整體表演藝術的尊重[3]。

「記住！千萬別噓你的聽眾！」小提琴大師海飛茲(Jascha Heifetz)就曾如此告誡當年初展頭角，在樂章間制止聽眾鼓掌的鋼琴家瓦茲(Andre Watts)。音樂會之禮儀秩序只能依賴聽眾自己維持。說到底，當位好聽眾其實非關藝術修為，不過就是將心比心。

[1] 如果觀眾自由鼓掌是該類演出的傳統，演出者也視自由鼓掌為理所當然，那麼觀眾自可自由鼓掌，甚至表演者會鼓勵觀眾自由鼓掌。如筆者欣賞「當代傳奇」劇場演出時，演出前就常聽到主辦單位廣播「該演出性質為傳統劇場，請觀眾隨性叫好喝采」。

[2]筆者最慘的經驗在於勸說鋼琴家齊柏絲坦(Lilya Zilberstein)在台灣演奏安可曲。齊柏絲坦從來沒有在協奏曲後加演。經筆者死皮賴臉地勸說，她也徵求指揮呂紹嘉同意後，決定破例演奏。結果她在新竹彈安可曲時出現手機鬧鈴，在台北則是某熱情觀眾在餘韻尚未結束時便大聲鼓掌，徹底破壞其辛苦經營的弱音之美。經過如此震撼教育，筆者再也不敢勸說演奏家演奏安可曲，齊柏絲坦也再不敢在協奏曲後加演了。

[3] 2005年7月30日，前總統陳水扁先生參加「鄧雨賢紀念音樂」並受邀上台合唱安可曲「望春風」，兩廳院最後以「安可曲也要專業」之由對主辦單位博古藝術團開罰。蓋兩廳院的表演節目都需送審，此處的「專業」便是指陳總統並非該音樂會受審核通過之演出人員。即使陳總統是專業聲樂家，不是該場演出者就不該走上舞台。可惜當時主辦單位竟以「與民同樂」、「總統歌喉不錯」等理由抗辯，既不知對舞台的尊重，也陷國家元首於不義。
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這篇文章的作者是焦元溥，很多人知道在音樂會裡「這不行那不行」，不過卻只知其然卻不知其所以然，這篇文章應該解決了大家不少疑惑吧。

這篇文章收錄在他的新書「樂來樂想」當中，雖然是本和音樂有關的書，但它並不單純的只講音樂，而告訴你許多和音樂有關，你卻不知道的逸事。

既然人家文章都借我用了，當然得幫忙打書一下
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