西方古典音樂自中世紀開始，發展過程宛如地層堆積，每一個時代的音樂都奠基於上一個時代的成果，文藝復興時期的音樂發展自中世紀所留下的複音音樂(音樂不再只是單旋律)；十七世紀的巴洛克音樂將文藝復興之對位技法(音與音之間如何擺放必須遵守一套嚴格的規則)深化，形成了結構複雜的「賦格」(多條旋律同時進行)，音樂風格更加華麗(巴洛克Baroque一字來自葡萄牙文中的Barroco，意為「不規則形狀的珍珠」)；十八世紀古典樂派則是進一步利用巴洛克時期所留下「數字低音」(一種音樂進行的規則)，發展出「奏鳴曲式」之結構，呈現出古典樂派均勻、對稱的風格。因此，當一場音樂會曲目順著年代排列，聽眾便能比較容易地觀察每個時代是如何影響著上個時代，又每個時代將走向何處。

雷克萊的D大調奏鳴曲創作於巴洛克晚期，共有四個樂章，分別是小行板、快板、緩板與急板。樂章之間的素材沒有高度相關，但演奏時慢、快板交替接續，聆聽起來宛如一則由不同場景串連起來的故事。要特別說明的是，這個時期的「奏鳴曲」只是純粹指涉「器樂曲」，和古典樂派之後所謂的「奏鳴曲」(此時奏鳴曲已關係到作品結構)有所不同。

這首作品有幾項特點，它的樂句小巧、精緻，最多四個小節就會有一個小小的休息(呼吸)；再者，音樂裡常常會出現重複的旋律，但有強弱差異，小聲的樂句就像是前一句同樣旋律的回聲；小提琴主奏屢屢出現裝飾音，是巴洛克音樂的特徵(演奏者可以自由地加入或變換)，讓人不禁想到「不規則珍珠」之意涵。這些特色在下一個世紀仍然被使用，但古典樂派擴大了樂句的長度(例如四到八小節才是一個樂句)；重複出現的樂句逐漸變成重複出現的樂段，例如奏鳴曲式中呈示部與再現部的遙相呼應；而裝飾音有時也不再只是純粹作為某個音的裝飾，例如莫札特曾在歌劇《女人皆如此》中利用震音表現劇中人物利用磁力治療的情景，模擬了磁力震動，也強化了人物肢體的喜感。