週末，前往朋友聚會的途中，街邊店家傳來張學友《情網》的樂音，隨口跟著哼唱了幾句，已許久沒聽到這首歌，17年前的作品，記憶卻清晰到唱的字句不差。印象很深刻，收錄這首歌的【吻別】專輯是張學友久別華語歌壇的東山再起之作，對的企劃挑中了對的歌，透過歌手的詮釋，創造了當年賣破百萬的榮景。

聽歌，聽的是什麼？

我聽歌曲的旋律，我聽歌詞的意境，我聽歌手的嗓音。
對我而言，三者齊備，才是真正能讓我難忘的經典好歌。

一直覺得1985~2000年是華語流行歌壇最美麗的階段，告別民歌時期的清新，從音符到文字，從文字到唱功，從唱功到包裝，都有了徹底的改變。音符不再是兩、三分鐘的簡單排列，文字不再像律詩般的有著句句整齊的字數，唱功不再是不經修飾的學生之音，包裝不再是一把吉他彈唱天下的樸素。流行的多元發展，將「歌手」劃分出實力與偶像兩個迥然不同的版塊，前者重唱功，後者重包裝，而詞曲創作的內容也隨著歌手性質漸漸分門別類。實力派聽歌喉、聽技巧、聽意境，偶像派聽形象、聽編曲、聽勵志，分眾，也分齡，在各取所需的狀況下，各自蓬勃，各擁市場。那時候的歌詞早已不文言，給熟齡族群的敘情寫愛之作，文辭柔美，旋律優雅，寫心寫意；給年輕族群的熱血陽光之作，字句直白，節奏輕快，寫人寫事。這個階段的音樂成品，多了朗朗上口的親切，多了與生活相近的頻率，也多了以聽覺帶動思維，進而產生畫面引領人走入歌中的萬有引力，因為貼切，所以共鳴，所以難忘。

2000年後，演唱有張惠妹，創作有周杰倫、方文山。按理說，不會是個聽覺寂寞的年代。
但，隨著專輯內頁文案的字數越來越少，閱聽者手上的音樂商品不再是個有整體性的企劃，漸漸的，一張專輯十首歌成了隱形的定律，十首歌之間不再有任何接續性的關聯，多數的專輯名稱直接與主打歌同名，讓人找不著想要傳遞的中心思想。而後....某些唱片公司開始弱化聽覺，轉而以攻佔視覺為基調，造型、舞蹈、舞台、八卦越弄越誇張，MV密集曝光到讓人反感的地步，歌曲人人會唱？不過是疲勞轟炸下的記億暫留而已....歌曲(詞、曲、演唱)變成了視覺的陪襯，歌手口中說的是當次專輯的造型概念，電視音樂專輯介紹的是MV拍攝的過程，歌曲內容？那重要嗎？管他旋律如何、文字如何、唱功如何，只要用視覺包裝歌手，一天轟炸個百八十回，還有什麼會是不好聽的........

我聽張惠妹、阿密特，一個聽故事性、一個聽音樂性。
我聽周杰倫、方文山，一個聽獨特性、一個聽文學性。
我聽很多歌手，聽他們用歌聲唱出詞曲作者筆下十個各自獨立的故事。
我不聽很多歌手，因為勾勒不出歌曲的畫面，感受不到歌聲裡的情感。

聽歌，聽什麼？

聽卸除視覺之後，旋律、文字、演唱三者的用心與真誠。

*******************************************************************************
【後記】

在那個飛碟唱片與滾石唱片兩雄爭霸的年代，縱使商業，卻也各自維持著不太同質的競爭力；其他規模較小的唱片公司，也能從市場機制中找到生存與發展的空間。歌手的形象、風格與稱號往往名符其實。

如今，既無英雄也無梟雄，財力物力代表一切，小規模的唱片公司只能待在牆角，以有限的資源期待著歌曲的動人、歌手的實力被市場看見。「亞洲X王」「亞洲X后」這類嚇死人不償命的頭銜，說穿了，不過是借用龐大中國市場的人多勢眾，若真放眼亞洲，那只是敵不過《Sorry！Sorry！》和《Nobody》風靡度的自我膨脹罷了。