1974年佛西的電影生涯持續維持高峰，他改編了朱利安貝瑞的舞台劇作（非音樂劇）為電影《黎尼》Lenny，由達斯汀霍夫曼飾演這位爭議性極高、幾乎是口不擇言、政治立場強烈的脫口秀表演者，佛西以仿紀錄片的形式（黑白攝影）進入他交雜性愛、毒品、戲鬧的狂放人生當中，大家都想不到總是以唱歌跳舞來表現人生的鮑伯佛西，對於電影形式與舞台人生的觀點竟也能如此深刻，紛紛給予熱烈的掌聲，這部片入圍了奧斯卡最佳影片、導演及男主角等六項大獎（沒得到任何一項，1972年敗在佛西手中的柯波拉總算以他的《教父2》Godfather 2爭回一口氣）。同年他參與史丹利杜寧的大成本歌舞片《小王子》The Little Prince的編舞及演出，而在此同時，他也為前妻關薇登籌劃了一齣復出的新戲，關於二○年代性、謀殺、媒體與明星夢的諷刺音樂劇﹝芝加哥﹞。

﹝芝加哥﹞是《酒店》的詞曲創作者艾伯－坎德的新創作，和《酒店》改編自英國劇作家約翰凡德魯登的舞台劇「我是一台照相機」I am a Camera（該劇本則改編自克里斯多福伊許伍【柏林故事集】裡的「再會柏林」）一樣，﹝芝加哥﹞改編自穆琳達拉斯華金絲以真實事件為藍本而寫成的舞台劇（後來拍成1942年版電影《蘿西哈特》Roxie hart，由巨星金姐羅傑絲主演）。鮑伯佛西早在五○年代中就想把這個題材搬上百老匯舞台，卻一直到1975年歷經了二十年的顛簸才成功。然而就在編舞排練的過程裡，沉浸在酒精、藥物、超時工作的鮑伯佛西卻終於嘗到了瘋狂人生帶給他的回饋－一場幾乎致命的心肌梗塞，使得這齣劇差點停擺。不過他最後還是堅強地克服了病痛，順利地讓﹝芝加哥﹞上了百老匯舞台。

可惜，墮落黑暗的﹝芝加哥﹞在當時並沒有獲得它應得的熱情掌聲，主因是在同一年，轟動的傳奇名劇﹝歌舞線上﹞A Chorus Line也在百老匯上演，幾乎搶走了所有劇迷的目光。

原版的﹝芝加哥﹞是由西裔女演員奇塔里薇拉演出薇瑪凱莉，已與佛西分居但未離婚的關薇登則演出蘿西哈特，首度巡演在美國就演出了898場，關薇登在巡迴演出的後期要求休息，而當時佛西的女朋友安蘭金，以及他的愛將麗莎明妮莉則連番上陣接力演出蘿西哈特。

1996年舞台導演華特鮑比邀請了安蘭金－佛西創作生涯後半段的謬斯女神，以「佛西式風格」重新為﹝芝加哥﹞編舞，讓這齣當時並非被視為經典的老劇再次登場，安蘭金巧妙地運用了佛西最愛的肉慾情調（所有演員都穿得少到不能再少）、椅子、扇子、帽子、手套、爵士舞，讓這齣劇在媒體極度發展、犯罪被極度戲劇化的九○年代末，變得更為有趣、尖刻、諷刺。果然﹝芝加哥﹞掀起了一陣風潮，不僅票房亮麗得教同業生妒，並總算在首演二十年後的東尼獎上揚眉吐氣，拿下了重演音樂劇、音樂劇導演及編舞等六項獎。

﹝芝加哥﹞的大成功，也連帶使得另一齣佛西－艾伯－坎德的名作﹝酒店﹞，在英國導演山姆曼德斯的籌畫下，先後於倫敦與紐約征服了劇迷。新版的﹝酒店﹞由曾和艾伯－坎德合作過92年﹝蜘蛛女之吻﹞Kiss of the Spider Woman（改編自電影版《蜘蛛女之吻》，該片由阿根廷導演海克特巴班柯取材自該國同名小說，曾獲奧斯卡最佳影片等四項提名，威廉赫特獲得奧斯卡與坎城影帝）的編舞家勞勃馬歇爾負責新的舞蹈編排，他同樣從佛西的電影版本中找尋靈感，把二次大戰前柏林小酒館的頹靡、敗壞、性感的情調，呈現在誘人的歌舞場面中。接著，勞勃馬歇爾又為迪士尼頻道為電視兒童歌舞電影《安妮》Annie擔任導演及編舞，獲得了十二項艾美獎提名（和《修女也瘋狂》《熱舞十七》導演艾米爾亞多利諾93年的遺作《星夢不了情》Gypsy紀錄打平），兩度的大成功使得勞勃馬歇爾終於被尋才多年的米拉麥斯相中，獲選為電影版《芝加哥》的編舞及導演。

電影版《芝加哥》在片末特別向鮑伯佛西、關薇登及勞勃佛萊葉（原版﹝芝加哥﹞的製作人）致敬，還特別把原版﹝芝加哥﹞的女主角奇塔里薇拉找來露臉演出。奇塔里薇拉去年才剛在甘迺迪中心獲美國總統表揚為傑出藝人（同年獲獎者還包括伊莉莎白泰勒及保羅賽門），和鮑伯佛西合作過許多作品，包括了舞台及電影版的《生命的旋律》、﹝奇彭的奇幻冒險﹞及﹝芝加哥﹞（她則和艾伯－坎德合作過﹝芝加哥﹞、﹝蜘蛛女之吻﹞及安蘭金編舞的最新作品﹝訪客﹞The Visit），她在電影版《芝加哥》中仍延用《生命的旋律》中妮姬的名字，當蘿西被送進監獄後，她亮了一下相，向蘿西（及觀眾）介紹大姊頭媽媽莫頓出場（我一閃神沒注意到，上網問了才知道）。

勞勃馬歇爾版的《芝加哥》並不是個單純影像化的音樂舞台劇，馬歇爾與編劇比爾康登把故事聰明地擺在現實環境中，除了開幕及落幕前的兩場秀外，歌舞場面則全放進了幻想裡，讓習慣於電影是真實世界呈現的電影觀眾不至於手足無措（演員演一演突然唱起歌來的表現方式，現在似乎已經不容易讓觀眾接受），也讓原本就刻意像是一場場歌舞秀表演的原劇（樂團就直接擺在舞台上，每首曲目前還有引言）恰當地嵌入電影劇情中。馬歇爾熟練自信又靈活無比的影像調度，帶著觀眾快速穿梭於幻影與真實、歌舞及戲劇之間，毫無生澀或過度誇張的缺點，教人驚豔。而為了將較多空間騰出來給原劇中所沒有的真實場景（舞台可以疏離的效果讓簡略的敘事變得可信，電影則不行），電影版狠狠地砍掉了原劇中的六首曲目，一些好笑的橋段、某些人物的描寫（包括有一首獨唱的瑪麗陽光，還有從主角跌成配角的薇瑪凱莉）也消失了，不過編導的巧思卻挖出更多荒謬的諷刺與巧思（特別是匈牙利女子上斷頭台那段，還有那場法庭／踢踏舞）。

不過最令人驚喜的還是歌舞場面，勞勃馬歇爾神奇地彰顯出影像能夠超越舞台限制的優點，讓作品散發出具豐富層次的電影感來。舞台上媽媽莫頓在聚光燈下獨唱的「When You're Good To mama」變成火辣奔騰、流彩飛舞、熱力四射的舞孃秀，椅子舞「Cell Block Tango」則變成陰影幢幢、性慾流竄、力道十足的激情探戈，「We Both Reached For the Gun」記者不僅被催眠還變成了傀儡，「Roxie」出現了瑪麗蓮夢露的諧仿，「Mr. Cellophane」則以小丑的自嘲自憐呈現心境，「Razzle Dazzle」真的把法庭變成了眼花撩亂的馬戲團，「Nowadays／Hot Honey Rag」的雙人舞則顯然是向佛西致敬（延用不少佛西編的舞並運用佛西所喜愛的元素），並毫不費力地達到大秀的高潮氣氛。我想再嚴苛的原劇迷也很難不被吸引並迷惑，接著忍不住大聲叫好．．．