做為一名觀眾，如果電影的音樂不是太特別，通常只會注意到電影的劇情、名星、特效；不過在看了藍祖蔚所寫的《聲與影：20位作曲家談華語電影音樂創作》之後，卻提醒了讀者電影音樂的存在價值，更提醒了我過去二、三十年來也是看著這些國片長大的。書是從六○年代開始寫起的，看到劉家昌細數當年的電影導演作品，許多膾炙人口的主題曲立時在腦中不斷地流洩出來，一下子就把人帶往那個「莊敬自強，處變不驚」的年代，同時也是「二秦二林」的年代；八○年代整個記憶就和台灣新電影掛勾了，一直到長鏡頭充斥的九○年代。

當然，做為一本書，它的豐厚度絕對不只有這一份濃濃的懷舊之情，更有理性地文化史與技術史的觀照。從作者刻意採用的對話體敘述手法裡頭，我們可以得到一個粗略的提問順序，大致是：作曲家的音樂學習背景或環境→和電影合作的初經驗→主要電影音樂作品的創作背景→和合作電影導演的工作模式→對於電影音樂創作環境的建議或批評。在口語化的訪談與書寫當中，我們也可以看到過去四十年來華語電影的發展簡史，以及流行音樂的文化史。

這本書讓我想起同時期在台北上映的蔡明亮《你那邊幾點》，將近兩個小時片長，幾乎沒有聽到任何音樂的流瀉，首映會在永和一家已經二十幾年的老戲院──福和戲院──播映，除了影片中的演員講話(其實也很少講話)和應該有的場景音效(這次的音效是杜篤之做的)，剩下只有膠捲轉動的聲音。之所以會從聲音或音樂的角度來看這部電影，很大程度是受了最近看的這本由藍祖蔚所寫的《聲與影：20位作曲家談華語電影音樂創作》影響，它提醒讀者及觀眾電影音樂(注意，不是「配」樂)的重要性。

在書中最常被處理到的問題，通常是作曲家和電影導演之間的工作模式與默契，不同的組合有不同的合作關係，有些導演掌握全局，作曲家在給定的框框裡盡可能地去發揮；有些導演較為客觀，僅提供幾個簡單的概念或感覺，剩下的通通讓作曲家自己去天馬行空；究竟有限制的創作，或是放任式的信任，哪一個碰撞結果好，從影片上映後觀眾的反應就可以看的出來，當然連帶地就是電影音樂或主題曲的傳唱流行，都可以印證當初雙方的合作協調或某一方的藝術堅持得到了回響。

在看這本書的時候，還有一個「側寫」或「側談」的角度也十分有趣，這是作者跳脫對話體之外，對於受訪者的訪談印象，以及借助第三者的眼光來對受訪者的印象綜談；這部分就有點像是我們偶爾會看到的NG片或側錄帶，提供了認識這二十位作曲家的「他者」角度。不過，不管是第一人稱的一問一答，還是第三人稱的側面觀察，就算這兩部分加總起來，都比不上親自上一趟電影院，在劇情、名星、特效之外，細心地品味這些電影音樂與影片的契合，以及這些電影音樂本身流洩的生命力。

閱讀版本

藍祖蔚，《聲與影：20位作曲家談華語電影音樂創作》，台北：麥田，2002。