時間：2013年11月14日，週四19:30

地點：牿嶺街小劇場

面對經典，創作者最能夠做的，通常就是改編與詮釋，重新省視經典和我們之間的關係，如何與經典構成對話，也就成了我們看待與解釋這個世界的方式與態度，從而也確立了我們的存在意義，這正是經典的永恆價值，千百年來，顛撲不破，無不如是。

在系上教西洋劇場史課程時，我經常會讓學生們寫信給經典劇作中的人物，或者以現代人的理解角度與之對話，或者以劇中某人物的口吻寫信給劇中另一人物，甚至讓同學之間以不同的角色身分相互通信。在完成這些書信作業之前，每位學生勢必得讀完全劇，並仔細分析劇情及人物性格，甚至是語言特色與時代背景，並帶點創意寫作的筆法，讓自己沉浸到該劇本的故事情境之中。過去這些年，不乏精彩的創意書信之作，從而亦打開了師生諸多理解及討論經典劇本的視野。

因此，類似本劇導演宋厚寬加了一段「王后的夢」的開場白，其用心與企圖，對我而言，並沒有產生多大的新鮮感，因為見多不怪。尤其像《伊底帕斯》這樣的故事，倘若不斷地想要以「如果當初不如何如何，如今就不會怎樣怎樣」的假設語氣，試圖對劇情的發展加以討論，或予以顛覆，我認為並沒有太大意義，因為已經發生的就是已經發生了，再去討論「早知如此，何必當初」的假設性問題，完全不合理，也不盡公平，畢竟在伊底帕斯的故事中，有許多事件的發生當下，都是伊底帕斯不知全部實情的狀況下所發生的，或者說在他以為知道實情的狀況下而極力避免的，奈何人終究敵不過命運的捉弄與安排。所以當有人用假設性的語氣來思考這個劇本時，那都已經是事後諸葛之見了。試著將自己放到當下去思考問題及劇本的意義吧！

臺北海鷗劇場的《伊底帕斯》其主要亮點還是在透過四位女演員（吳秉蓁、陳敬萱、洪嘉敏、曹瑜）來飾演故事裡的所有角色，並在涉及陳述與回憶的片段時，亦盡量將其也演出來，將戲劇行動的時態，從過去式轉變成現在式，將敘述的變成表演的。所有的台詞經過重新組裝、濃縮與改寫，並配合幻燈，將欲強調的語句文字投映到劇場的牆上，這點倒是有點像李國修的風格。演員的表現當然是很重要的觀看焦點，除了吳秉蓁所飾演的伊底帕斯之外，其餘三位演員都必須在兩至三個角色之間進行轉換，透過服裝、道具、聲音、語調、形體的改變來完成角色轉換，算是流暢，一氣呵成，亦簡潔有效。當涉及母子╱夫妻的情感關係糾結時，吳秉蓁和陳敬萱的表現，亦十分到位，情深意摯，掌握得很好，雖然是個眾人已皆知的希臘神話故事，但演來仍有動人的時刻。

然而，我還是抓不太到以四名女演員來搬演的真正意義，雖然導演在節目單上有簡短的「導聆」：「由女性扮演所有角色，出自一股反動意念：《伊底帕斯》塑造了完美的英雄原型，如果由女人演出，將呈現怎樣的風貌？女性即是意義，她們的身體、聲音即是意義，所以沒有必要以男裝掩飾。」要反動什麼？反動乃相對於革命而言，所以導演是不想改變╱革命什麼嗎？劇中的吳秉蓁在飾演伊底帕斯之時，所使用的主要表演方式，仍是以壓低的擬男性╱國王的聲音在詮釋，不是「沒有必要以男裝掩飾」嗎？怎麼還是落入原有的窠臼？真要革命與顛覆的話，就來一個真正的女王，然後讓她「弒母嫁父」啊，看看結果會如何？

突然想起Julie Taymor在1990年代初期，也以Igor Stravinsky的音樂為底，導了一齣《伊底帕斯》歌劇版，指揮是小澤征爾，很多人都知道這個版本。主要是以跨文化的元素及手法來詮釋經典，在服裝造型上，可以看到日本和服、復活節島巨石像、埃及豔后、兵馬俑、三星堆等古文明的視覺元素，演員亦包含了白人、黑人、華人、日本人等，以偶、人同台的表演方式，善用紅色緞帶做為劇中的重要意象，篇幅不長，但卻很精練地呈現並再詮釋了這個古希臘悲劇經典。