《劍橋流行音樂史》
又想以半部《劍橋》看天下啊?再怎麼佳作也不可能取代各種流行音樂的專著吧!
專著只不過是介紹的較為詳實,但觀點評論往往欠缺,比不上本書的一篇專文。
這麼說來本文千字內不可能評完此書了?
別被那些專家學者的權威嚇呆了,乍看之下似乎篇篇都很見解,但仔細反思一下,就會發現它們有個共通點──妥恊又滑頭──以流行音樂具有顛覆性、左批德國的文化工業理論,再以流行音樂的商品性、右批英国的文化批評理論。
經你這麼一說,此書真的有點「油味」,首篇<科技與通俗音樂>就小結道:「科技是通俗音樂創製的先決條件,它必須被視為是一種能動與限制的因素…利用科技來提高、合理化或控制音樂的流通,符合了唱片工業的利益,但樂手(在取樣方面)和消費者(卡帶和MP3)也利用科技來阻斷工業的運作,雖然這情形可能只是暫時的。」(p.31)
旣然是「暫時的」還談什麼「限制的因素」更遑論前評《噪音》所批:科學性的「重覆」成為社會監控的工具。
資本主義下的「抗拒」本就如此,充滿了「中產階級拘謹的魅力」,在<音樂消費>篇不也說:「音樂次文化(指尚未成主流時者比如爵士、搖滾、龐克、嘻哈)的批評者有的主張,相較於次文化成員不斷詆毁主流文化樂迷,這些人不過就是更好、更為熟練、更忠誠的資本主義商品消費者而已。」(p.80)
在<流行樂>篇又說:「流行樂的動力,除了獲利和商業收入之外,沒有其他重大企圖…它本上是保守的。流行樂只是將大眾已知他們想要的事物再一次提供給他們,而不是想要超越現有的技術限制或美學成規。因此流行曲裡的『新』只是一種新鮮感。」「流行樂是一種由上而下的供給模式,而非反之。它並不是『自己幹』的音樂,而是經過專業生產與包裝的音樂。」(p.90)
在<重探搖滚>篇則說:「大眾社會成為批判工業資本主義之劇變的重要藉口…這說法也可以用來激發菁英主義的論點,貶斥民眾多數是一團無知、無人性、無法辨認的爛泥,是被廣告和娛樂所塑造和洗腦的一團無形無狀的東西。」(p.109)「伝統總以為搖滚是一股反對支配性社會价值的基進反叛力量…搖滚在同時強調、調和以及隱藏消費資本主義的矛盾時,事實上,並沒有挑戰消費資本主義。非但沒有,搖滚的對抗性還為一個不同的議題所挪用。」(p.115)「搖滚變成不過是許多主流音樂文化的一支…搖滚破除了大眾文化和頭腦簡單的從眾性之間的象徵性關係…搖滚促進了支配和被支配文化之間的關係重組,造就了一種同時是邊緣和主流、反大眾和大眾、次要和主導的東西。」(p.123)
美國流行音樂具有更多的自娛性與商業性。其自娛性來自非洲的音樂傳統。影響最大的,如爵士樂、布魯斯、搖滾樂等,都起源于黑人音樂。
早年大部分移民從世界各地來到美國,一般地說是出自于自願,他們基本上是願意把自己的文化同美國文化融合在一起。但只有黑人例外。他們是作爲奴隸被迫來到這個國家的。他們身上“除了鎖鏈以外,一無所有,但他們的頭腦中卻牢記著非洲舞蹈和音樂的豐富傳統。”黑人奴隸們在農場勞動時,不允許說話,但可以唱歌。他們依靠自人聽不懂的勞動號子和歌曲相互傳遞信息,交流感情,通過這種表達方式,把他們郁積在心裏的痛苦與不平喧泄出來,從而逐漸形成了具有黑人特點的黑人音樂。黑人音樂在形成過程中也在不斷地發生著變化,這種變化包括汲取白人音樂成分,産生了布魯斯、爵士樂等形式。而最初的搖滾樂就是黑人音樂“節奏布魯斯”,西方也有人把搖滾樂稱作爲“下層階級反抗當局的一種形式”。
1、爵士樂
爵士樂是19世紀末在新奧爾良首先發展起來的。爵士樂形成的主要來源是布魯斯和拉格泰姆。布魯斯的原意是哀怨、憂郁之意,是從黑人的勞動號子演變而來,大部分的布魯斯的歌詞內容是以反映黑人的生活爲主。每段歌詞采用三句的結構形式,第二句重複第一句。在曲式結構上構成AAB的曲式,常用慢4/4拍。其歌曲的音階形式常使用降三音和降七音,切分節奏也比較多。布魯斯的演唱非常自由,演唱者可以根據演唱內容模仿一些其它日常生活的聲音來表現演唱者的情緒。布魯斯歌曲的伴奏樂器一般有吉它、班卓等,後來逐漸加進了其它多種樂器。布魯斯經曆了農村布魯斯、古典布魯斯和城市布魯斯等不同發展階段。
拉格泰姆音樂形式與布魯斯沒有根本上的區別,其最明顯的區別大致有兩點。一是與純粹的布魯斯相比,拉格泰姆似乎是比較“有修養”。當美國黑人音樂家用管樂隊形式演奏布魯斯或拉格泰姆時,一種新的音樂形式就誕生了,這就是爵士樂。
爵士樂自誕生以來,風格在不斷地發生著變化。既有音樂家們對不同風格本身的探索、融合與創新,也有他們對爵士樂商業化現象的不滿而進行的努力。例如,繼20年代的新奧爾良傳統爵士以後,又出現了30年代的搖擺樂、大型樂隊、冷爵士、自由爵士等等。爵士樂的代表人物有路易斯?阿姆斯特朗,他創作的曲目有《西區布魯斯》、《哭泣的威力》等。其它代表人物還有杜克?埃林頓、戴維斯等。從總體上說,早期的爵士樂比較簡單,逐漸才發展成比較複雜。其原因主要是越來越多的受過專業音樂訓練的音樂家們的參與,使得專業音樂創作技巧與爵士樂的創作相融合。盡管如此,以黑人音樂爲基礎的爵士樂特點依然存在,即連續的切分節奏、特殊的樂器音色以及演奏法和表演上即興性等。
爵士樂從它誕生之日起至今,一直存在著爭議,褒貶不一,但爵士樂的影響力已遠遠超越了流行音樂本身。我們在20世紀西方許多嚴肅音樂家的作品中都能找到爵士樂的痕迹。這些音樂家有德彪西、拉威爾、斯特拉文斯基。而美國作曲家格什文的《蘭色狂想曲》、《一個美國人在巴黎》則是把爵士樂融入到現代嚴肅音樂中的典範。
2、廷潘胡同歌曲
19世紀末在美國紐約市第28街(第5大道與百老彙之間)集中了許多音樂出版公司,各公司都有推銷員整天在那裏彈琴吸引顧客,琴聲就像敲擊洋鐵盤子似的,“廷潘”胡同由此而得名。廷潘胡同在美國一度成了流行音樂的集中地,也形成了流行音樂興盛的一個時代,一種音樂風格的象征。它幾乎是沿續了半個世紀。
廷潘胡同歌曲早期的部分作品是沿襲了美國流行歌曲作曲家福斯特的音樂風格,其音樂具有懷舊、感傷的情緒,但大部分歌曲是歡快、風趣、詼諧的情緒,歌詞內容基本上以愛情主題爲主。廷潘胡同歌曲發展到中後期音樂風格和表現形式更爲多樣化,藝術性也有所加強,並且吸收了黑人音樂的節奏特點,其旋律與和聲也趨于複雜化。廷潘胡同歌曲流傳的範圍基本上是城市裏的白人。
3、鄉村音樂
鄉村音樂最早叫山區音樂,這種音樂形式的形成始于20世紀20年代的美國南方各州農業地區。它是英國移民流傳下來的,自然也就帶有許多英國民歌的風格。後來又受到其他民族音樂的影響而發展起來,直到第二次世界大戰以後才開始流行全美國,被稱作爲鄉村音樂。
鄉村音樂的形成初期,其風格帶有較多的鄉土氣息,歌詞內容涉及家庭、戀愛、流浪、宗教等,其歌曲帶有一定的敘述性和分節歌的形式,音樂伴奏常用小提琴、班卓或吉它。
4、搖滾樂
50年代開始流行音樂呈現一種多元化的趨勢。隨著科學技術的進步,電聲樂器的出現以及大批農村居民湧入城市,給城市的流行音樂注入了豐實的鄉村音樂和一些其它民間音樂的新鮮血液,促進了搖滾樂的發展。當時有部名叫《一堆混亂的黑板》的電影引起了社會人們的廣泛注意。此片中有一首叫《震動、嘎嘎作響的搖滾》的黑人“節奏布魯斯”的主題歌,它的流傳標志著後來風靡世界的搖滾樂的産生。
搖滾樂的主要音樂風格是黑人音樂與南方白人的鄉村音樂的融合。其形式以歌唱爲主,音樂用電吉它、薩克斯、電貝司、鍵盤樂以及爵士鼓伴奏。搖滾樂明顯的特點是持續不斷、向前推進的舞蹈節奏,由爵士鼓奏4/4拍中的第一和第三拍,其它樂器如電吉它等奏第二和第四拍組成。
早期搖滾樂歌手有普雷斯利、貝裏、多米諾、劉弗斯、埃弗利兄弟等。19 6 4年,英國“披頭士”樂隊(也有人譯作“甲殼蟲”樂隊)首次在美國做訪問演出,引起狂熱反應。他們的演唱主要內容是表現愛情,也有反戰、反暴力等內容。正好當時美國國內反越戰、反種族歧視浪潮湧現,搖滾樂在這一浪潮中起了很大的作用,60年代成長起來的美國人,很少有與搖滾樂不發生聯系的。搖滾樂的歌聲影響了現代美國人的藝術趣味。70至80年代在美國形成的著名搖滾樂隊有蓬克、滾石、索爾、重金屬、雷普、波普等。其搖滾樂的著名歌星有邁克爾?傑克遜、珍妮特?傑克遜、休斯頓等。
第二,各國面臨不同的社會問題使音樂的發展呈現出多樣性和民族性。19世紀的歐洲經曆了拿破侖戰爭、維也納體系的建立、1848年革命、19世紀六七十年代的資産階級革命和改革等重大事件,這期間由于國情不同各國亟待解決的社會問題也有所不同:法國需要進一步深化和鞏固資産階級革命已取得的成果;德意志、意大利需要完成國家的統一;俄國需要消滅農奴制發展資本主義。而東歐地區許多弱小和落後的國家則要完成反抗外來壓迫反對本國封建統治的民族民主革命的任務。在這種形勢下,具有民主主義思想的音樂家把對現實的不滿和困惑以及自己的追求傾注在音樂的創作中,使音樂的發展呈現出了多樣性和民族性。
1)興起和發展。浪漫主義音樂是在浪漫主義文學的影響下于19世紀初興起,以奧地利和德意志爲中心。19世紀中期走向鼎盛時期。
2)主要特點。浪漫主義音樂與19世紀以前的古典主義音樂不同。古典主義音樂崇尚理性、重視規範、要求感情的節制和形式,而浪漫主義音樂一則著重感情的抒發和個性化的心理刻畫、注重音樂中的詩情畫意,感情熱烈而奔放。二則在音樂作品中大量弘揚民族特性,形成了各具特色的民族樂派。
3)代表人物及其作品。
浪漫主義音樂家燦若群星,他們給後人留下了許多不朽之作。德意志的貝多芬是維也納古典樂派及向浪漫主義樂派過渡時期的代表,有“樂聖”之稱。其作品題材十分豐富,有鋼琴奏鳴曲、交響樂和室內樂等,如《悲愴》《月光》《田園交響曲》《英雄交響曲》《命運交響曲》等都被列入世界名曲。奧地利的舒伯特不到20歲就開始了自己的音樂創作生涯。一生創作了600多首藝術歌曲,被稱爲“歌曲之王”。《小夜曲》是其代表作品之一。此外還創作了交響樂、室內樂和鋼琴音樂等作品。奧地利的小約翰?施特勞斯不到7歲就寫出了第一首圓舞曲,他創作的《藍色多瑙河》《春之聲》《維也納森林的故事》等圓舞曲聞名于世,有“圓舞曲之王”之稱。法國的柏遼茲是浪漫主義標題交響曲的創立者,代表作品是《幻想交響曲》。這是一部有文學標題的、浪漫主義的和帶有自傳性的作品,它的副標題是“一個藝術家的生活片斷”,五個樂章的情節線索通過比較詳細的文字標題提供給聽衆。《幻想交響曲》受到貝多芬的《田園交響曲》的很大影響,表現出更鮮明的浪漫主義特征。
浪漫主義音樂在歌劇中也取得了輝煌成就。意大利羅西尼的作品旋律優美、技藝精巧。他還是美聲唱法的開創者。威爾第的音樂作品具有崇高的愛國主義思想、富有民族特色,對當時意大利民族意識的覺醒起了巨大作用,人們尊稱他爲“意大利革命的音樂大師”。其代表作品《茶花女》是名揚世界的巨作。普契尼的音樂除直接采用各國民歌外,還善于使用新手法。如《圖蘭朵》中就采用了中國民歌《茉莉花》。代表作品還有《蝴蝶夫人》等。法國的比才的代表作品《卡門》是世界最優秀的歌劇作品之一,淋漓盡致地體現了法國音樂追求精巧形式的特征,具有鮮明的浪漫主義色彩。德意志瓦格納的作品極有獨創性。他用近20年的時間完成的巨作《尼布龍根的指環》具有鮮明的德意志民族特色。
第二,民族樂派:民族樂派出現于19世紀中後期的俄國和東歐地區。民族樂派的作曲家在音樂創作中著重以本民族的民歌、民間舞曲爲素材,采用本民族的英雄史詩、神話傳說和人民解放鬥爭事迹爲題材,並且將民族音樂的鮮明特點和古典主義音樂的優秀傳統以及浪漫主義音樂的藝術風格緊密地結合起來,創作出大量既有獨特藝術個性和民族感情,又有強烈藝術生命力的作品。他們通過自己的音樂創作,熱情地歌頌自己偉大的祖國、民族和人民,反映了他們的愛國主義思想和內心強烈的民族責任感。俄國民族樂派的主要代表人物是“俄羅斯音樂之父”格林卡和“俄羅斯樂聖”柴可夫斯基。格林卡是俄羅斯民族樂派的奠基人。他創作的俄國第一部民族歌劇《伊萬?蘇薩寧》描寫了一位俄國農民把波蘭軍隊引入歧路而光榮犧牲的故事,是一部愛國主義的歌劇。柴可夫斯基的作品著重內心刻畫,旋律和配器富于表現力。《天鵝湖》《胡桃夾子》至今仍煥發著生命力,受到人們的喜愛。
第三,美國音樂的發展:19世紀末,美國經曆了南北戰爭和第二次工業革命,迅速成爲資本主義強國。經濟的發展給人們帶來豐富生活的同時也促使音樂的長足發展。福斯特的歌曲《淡褐色頭發的珍妮》、蘇薩的進行曲《星條旗永不落》等作品,既表現了美國國力不斷上升時的情懷,也體現出美國文化的多元融合特點。
教學建議:19世紀的音樂以浪漫主義音樂爲主。教材介紹了各流派的代表人物及其傑作,它們幾乎都是世界級音樂大師和世界名曲。建議教師在教學中可以選擇播放風格不同的幾個音樂片段,讓學生體會音樂的語言並在鑒賞中比較分析其特色和浪漫主義音樂的共同特點。
流行音樂起源于歐洲。他包括所有民間音樂種類,發展風格也不受局限性,它是隨著當時社會的發展而不斷産生變化的。
19世紀隨著歐美國家工業文明的興起,大批農業人口進入城市,構成早期的産業工人,城市人口結構發生了變化。産生于勞工階、中下層市民中的新興文化形式,就是早期的流行音樂。在當時,反映懷念故鄉,眷念鄉村生活的音樂題材,正好表達了那些遠離家鄉、親人來到陌生環境求生存人們的心裏狀態和純樸的思想感情。
早期流行音樂來自于黑人音樂。他們以口傳心授及與白人之間的私人交往,逐漸形成了一種特有的音樂形式,這就是當時的流行音樂。
不管是黑人靈歌、靈魂音樂、節奏藍調又“節奏布魯斯”〔就是我們所說的R&B〕、搖滾音樂,甚至是爵士樂本身,它們的根源都可以追溯到由非洲傳來的黑人音樂
布魯斯(又譯勃魯斯、藍調)是一種基于五聲音階的聲樂和樂器音樂,它的另一個特點是其特殊的和聲。布魯斯起源于過去美國黑人奴隸的聖歌、贊美歌、勞動歌曲、叫喊和頌歌。布魯斯中使用的“藍調之音”和啓應的演唱方式都顯示了它的西非來源。布魯斯對後來美國和西方流行音樂有非常大的影響,拉格泰姆、爵士樂、大樂隊、節奏布魯斯、搖滾樂、鄉村音樂和普通的流行歌曲,甚至現代的古典音樂中都含有布魯斯的因素或者是從布魯斯發展出來的。[1]在詩歌裏這個詞常被用來描寫憂郁情緒。
布魯斯(英語:Blues,藍色、藍色的)一詞是與“藍色魔鬼”(Blue devils)一致的意思,意思是情緒低調、憂傷、憂郁。早在1798年喬治?科曼就寫過一部名爲《藍色魔鬼,一幕滑稽戲》的滑稽戲。19世紀裏這個詞被用來表示震顫譫妄和警察。在美國黑人音樂中這個詞的應用可能更老。1912年孟菲斯威廉?克裏斯托弗?漢迪的《孟菲斯布魯斯》是這個詞在音樂中最早的書面紀錄。
70年代Hip-Hop開始發展之時,被分爲1. D.J 2. M.C 3. Dancer 4. Graf 四大部份。 在我們提到Hip-Hop的曆史之前,大家要知道這四大部份是Hip-Hop文化裏所不可或缺的,而其中和音樂最有密切關系的便是D.J和M.C。D.J和M.C是一起工作的搭擋,一位好的D.J用兩臺唱機再加上兩張Beat唱片,就可以玩出一些簡單的音樂節奏,而在這時候會有兩種人立即産生一些反應,一個就是M.C,再來就是Dancer了。M.C的嘴巴開始念出他所想到的Rap,內容多爲不滿情緒的抒發或談及一些日常生活的瑣事。而Dancer則開始用身體來表達出他想說的舞。再來就不用說了,就是要解釋Graffti,我想如果你有學習畫畫的話,一定非常想要讓過往的路人欣賞到自己的作品,對吧? Graffti Art ( 亦即使用噴漆在街頭的牆上或火車的車廂.....等地方作畫 ) 就是屬于此種心態的表現。
當Hip-Hop在90年代大紅大紫之時,許多不同的風格在New School年代萌生出來。Hip-Hop不僅是城市黑人貧民窟中産生的音樂,更成爲代表城市黑人貧民的呼聲。說唱音樂家們開始描述他們或他們身邊人們的艱辛生活。
“Hip-Hop”這個詞是一個新興的音樂流派的類別,它自出現到發展至今,已經不僅僅代表了單一的音樂類別,Hip-Hop在2000年的世紀之交,已經發展成爲一種新興生活方式的代名詞,其中包括:音樂、服裝和行爲方式等。屬稱街頭文化!在整個Hip-Hop的文化中,服裝要算是最出彩的一部分了。典型的著裝包括:寬大的印有誇張Logo的T恤,同樣寬大拖遝的板褲或者是側開拉鏈的運動褲、籃球鞋或板仔鞋、高爾夫球帽或者是棒球網帽、各國風格的包頭巾、頭發染燙成各異或編成小辮子。而相應的配飾則有:紋身、銀質耳環或者是鼻環、墨鏡、MD隨身聽或者是MP3、滑板、背包等。這些零星的服裝湊在一起,就組成了在美國風靡了整整20年的Hip-Hop時尚。Hip-Hop是街頭的文化,是一種生活態度。他與同是街頭文化的滑板、小輪車等極限運動有著親密的關系。
Hip-Hop一族具有共同的行爲方式,即使互不相識,你也能從他的外表准確地判斷。Hip-Hop已經有二十歲了!從八十年代初到公元二千年,從Old school到New school,從沒有人喜歡刮唱片到人人爲街頭音樂而瘋狂,這一種文化帶給這個世界的沖擊,超出了人們的想象。二十年來,Hip-Hop文化在美國植下了根,成功的結合了娛樂、商業、音樂甚至政治。它是一個獨立而有色彩的團體意識,它是堅固而難以取代的文化形式,它不只是我們常常說的“黑人音樂”,也不是只帶著手勢口裏喊著“Check it out”,更不只是流行歌手主打樂風奏藍調。Hip-Hop文化就是Hip-Hop文化,它有著人一樣的性格情緒長像。 簡單地說,Hip-Hop有四個重要的成份。
雖然Breaking停擺了一段時間,但是在八十年代末九十年初卻出現了許多新的舞蹈團體(此時Old School已漸漸形成New School)。其實國內在這個階段的舞蹈類型還沒有分得很清楚,玩地板Breaking的人變少,而是以Locking、Poping爲主,這時信息的來源是日本。在九十年代中的時候New School興旺,Oldschool也大有人在,但真正能持續下去的人並不多,在此時期存在的幾乎都是老面孔。到了九十年代末期,“街舞”的風潮興盛,才有再度引起了媒體的注意。
街舞屬于勁舞,動感十足,動作幅度大,要求舞者體質好。像單手倒立、前滾翻、大風車轉、背旋等動作,屬于難度系數高的表演,街舞少年必須保持足夠的體力支撐,以及擁有堅強的意志和勇氣。
塗鴉少年以噴漆作畫于牆上,用以表達其所想宣告的意念、想法或是幫派用以劃分地盤;從60年代末發源至今,漸漸成爲一種街頭藝術。
塗鴉少年之間相互進行塗鴉競賽,比誰的作品多,誰的名頭響。他們在所有可能的公共場所將自己的名字或筆名“塗”在顯眼的位置,以此表達對成人權威的蔑視。他們手持裝滿顔料的噴槍同警察捉迷藏,這些顔料常常是偷來的。
他們在市區的牆上塗抹帶有神秘色彩的句子,粗魯的骷髏狀的人像、帶有原始面具色彩的面孔、以及孩子遊戲中含有猥褻意味的姿勢。塗鴉作品是可視的說唱樂和爵士樂,是對視覺藝術的原創性貢獻。作爲大衆主義觀念的擴展,塗鴉藝術家大量生産了素描、印刷品、油畫、雕塑、壁畫、T恤、鈕扣和旗幟。
2001年,時尚設計師們不約而同地向Hip-Hop流行文化取經,從衣服、裙、高跟鞋以及手袋上,都能找到黑白或七彩的塗鴉風格作品。
在美國1967年時,有位從牙買加金斯頓移民到美國紐約布朗士區的傳人物,叫做Kool Herl,當時是他最早把兩個唱盤(turntable)及混音器(mixer)擺在一起,及獨創“刮唱片”(scratch)的動作。所以當時吸引了很多的人在街頭欣賞他表演。然而他在一次的酒吧鬥毆中不幸失去雙手,被譽爲“The founding Father of Hip Hop”的Herl不得不停止表演並退出了樂壇。隨後,更多DJ紛紛成名,如:Afrika Bambaataa、Grand Master Flash等人,他們把自己的DJ想法及先進的技巧,融入音樂制作,産生了當時紅遍街頭巷尾的舞曲,如:Plant Rock、The Message……等。
所以DJ發展至今,已並非是純粹做些mixing或scratch的技巧而已。在在這幾年的趨勢中,DJ已跨越到音樂制作領域,不少還親自擔綱制作人,如樂隊Pete Rock & C.L. Smooth,Pete Rock即是該樂團的DJ兼制作人,樂隊Gangstarr的DJ Premier也是如此。國內DJ的角色尚未被重視,是因爲國內樂界認爲DJ並無正規的音樂素養,所以做出的作品也是上不了臺面的;但無論如何,DJ本身的想法及先進的技巧,是值得餓肚子也要繼續的“信仰”。
在一般人的印象當中,常見“DJ”常常會把手放在唱盤(turntable)上的黑膠唱片(LP)來回刷動,另一只手在混音器(mixer)上的CROSS FADER(控制左右唱盤的聲音)反複不停地切換。其實這種動作正確名稱叫做“Scratch”。Scratch是一種在節奏中或一首歌曲裏做類似唱歌般的組合,然後增加其變化性。然而不只是單單有“scratch”而已,還有一種用2張一樣或是不一樣的唱片,也是在一定的節奏上,去做變化,而這個技巧稱爲“Battle”。這兩種技巧都是“Hip-Hop DJ”比較常使用的方式,然而在“scratch”和“battle”裏,沒有一定的規範,每一位DJ都有自己的特色(free style)。其實,它們在國外已經風行20余年,自成爲一種特殊的文化了,而且還有舉辦一些大大小小的比賽,其中就有極具公信力的比賽,叫做“DMC”。它源自于八十年代初,當時是由一群熱愛音樂的DJ俱樂部(類似行會的組織)名叫“D.M.C”(DJ Mix Club)。一直到現在,D.M.C在世界各地(美、英、加、澳洲、日本、香港等等)幾乎都有舉辦比賽。然後再由每個地區的冠軍,一起比賽爭取世界冠軍(類似奧林匹克的比賽模式)。在比賽裏每個DJ一直都把自己最好、最新的技巧,在比賽中展現在來。在D.M.C裏也造就了不少知名的DJ,像“Mixmaster Mike”、“Q-Bear”和香港的“DJ Tommy”等等。目前在國內這種類型的DJ一直以來都是存在的,只是他們發展的空間太小了,參與的人相對也就越來越少了。所以不管是哪一種類型的DJ,沒有一個群體的支持,他們是不可能發展下去,最後形成一種新文化的。
R&B
R&B的全名是Rhythm & Blues,一般譯作"節奏怨曲"。廣義上,R&B可視爲“黑人的流行音樂”,它源於黑人的Blues音樂,是現今西行流行來和搖滾來的基礎,Billboard雜志曾介定R&B爲所有黑人音樂,除了Jazz和Blues之外,都可列作R&B,可見R&B的範圍是多麽的廣泛。近年黑人音樂圈大爲盛行的Hip-Hop和RAP都源於 R&B,並且同時保存著不少R&B成分。
在唱法上,起先多用民間本嗓演唱,形式多爲獨唱或小合唱,用吉他、班卓琴、口琴、小提琴伴奏。
鄉村音樂的曲調,一般都很流暢、動聽,曲式結構也比較簡單。多爲歌謠體、二部曲式或三部曲式。
在服飾上也比較隨意,即使是參加大賽及音樂廳重要場合演出,也不必穿演出服,牛仔褲、休閑裝、皮草帽、旅遊鞋都可以。
1925年,美國田納西州納西維爾建立了一家廣播電臺。他們開辦了一個"往昔的歌劇--老鄉音"的專欄節目。邀請了一位名叫傑米?湯普森的81歲的民間歌手演唱,節目受到聽衆們的熱烈歡迎。從此,人們統稱這種音樂爲"鄉村音樂"。鄉村音樂成爲美國勞動人民最喜愛的音樂形式之一。在美國,"藍領"指的是下層人,故這種音樂又稱"藍領音樂"。
納西維爾電臺自開辦"往昔的歌劇--老鄉音"節目之後,延續數十年,成爲該臺傳統名牌節目。而納西維爾市也被公認爲"美國鄉村音樂的白宮",所有鄉村歌手都視之爲"鄉村音樂的聖地"。
五十年代,鄉村音樂來到大的城市,受其它樂隊的影響,加進了鋼琴及其它樂器和電聲擴音,那時人們對這種音樂叫"納什維爾"。由美國國家錄音藝術學院舉辦的"格萊美獎"是其中最高獎項。
鄉村音樂的兩個最重要的組成部分是弦樂伴奏(通常是吉他或是電吉他,還常常加上一把夏威夷吉他和小提琴)及歌手的聲音。鄉村音樂抛開了在流行樂中用得很廣的“電子”聲(效果器)。最重要的是,歌手的嗓音是鄉村音樂的標志(民間本嗓),鄉村音樂的歌手幾乎總有美國南部的口音,至少會有鄉村地區的口音。
然而,與音樂本身同樣重要的是音樂所包含的內容,而在這一點上,鄉村音樂與流行樂、搖滾、說唱樂以及其他流派非常不一樣。鄉村音樂後一般有八大主題:一、愛情;二、失戀;三、牛仔幽默;四、找樂;五、鄉村生活方式;六、地區的驕傲;七、家庭;八、上帝與國家。前兩個主題絕不是鄉村音樂所獨有的,但是後六大主題則把鄉村音樂與其他的美國流行音樂流派區分開來。簡而言之,鄉村的人們有他們自己的幽默感;喜歡牛仔風格的瘋玩;以一種與城市人很不同的方式生活;以自己所在的鄉鎮、州、地區爲榮;極爲重視家庭;不羞于表達宗教情感與愛國情感。這些主題使鄉村音樂有別于諸如小甜甜與N-Sync的音樂。
鄉村音樂所包含的內容往往最吸引美國南部與西部鄉村的白人。作爲群體,鄉村音樂的聽衆往往是農民和藍領,他們通常比美國平均水平窮點兒,在政治與社會問題上也更保守一點。
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[編輯] 1986年-2005年:早期生涯
Lady Gaga生於紐約州揚克斯城的一個義大利家庭。她的父親,Joseph Germanotta,是一位網際網路企業家,她的母親,Cynthia,是一位通訊助理。她是他們的長女。當Gaga11歲時,她原本要被送到曼哈頓的茱利亞音樂學院就學,但後來她進入了天主教學校聖心學校就讀。Gaga在4歲時聽著鋼琴聲學習鋼琴,她在13歲的時候寫了自己的第一首鋼琴敘事曲,並且在14歲時開始在晚間表演。在她17歲時,她獲得紐約大學Tisch School of the Art的提前錄取,她在那裡學習音樂。她透過寫小品散文及分析性質的報告,來使自己的作曲著重於藝術,宗教和社會政治等題材。之後她自紐約大學退學,以專注在音樂事業上。
Gaga曾在早年時於餐廳表演Gaga在19歲時曾簽約Def Jam,那是因為音樂監製L. A. Reid在辦公室聽到她在走廊的歌聲。然而Gaga說Reid從未和她見面。「我常常在他的辦公室外等好幾個小時,希望他和我談談我音樂的事情,但那從未發生過。」,Reid在三個月後捨棄了Gaga。
2008年,Lady Gaga來到洛杉磯,和她的唱片公司合作完成她的首張專輯《The Fame》。「《The Fame》是有關讓所有人都能感覺到如何著名。」,她解釋到。「流行文化是一種藝術。痛恨流行文化並不能讓你變酷,於是我擁抱了他,而且你能在《The Fame》中感覺到。但這是一種可分享的名望。我想邀請你們所有的人加入這個派對。我希望人們感覺到他們自己生活方式的一部分。」為了這張專輯,Lady Gaga說自己「嫁給」了不少風格,「從Def Leppard鼓和掌聲到金屬鼓和城市音樂。」Lady Gaga開始和一個名為「Haus of GaGa」的集團合作,他們以她作為時尚,舞台表演和音樂繆斯。「在這個產業中,你有很多造型師和製作人,但是我有自己的創意團隊,在仿造成Warhol工廠的地方。每個人都不到26歲,我們都一起做所有的事情。」《The Fame》得到了大多數評論人的好評,Metacritic的音樂評論給了一個平均70分的評價。Times Online描述這張專輯為「Bowie風格的奇妙混音,戲劇化的,受Queen激發的Midtempo和追逐名利的富有孩子的舞曲。」這張專輯的首張單曲〈Just Dance〉在2008年4月8日發佈,並且在7國取得了第一。在其中的美國,〈Just Dance〉在10月開始接受廣播播放,並且在2009年達到第一,成為Gaga的第一張美國冠軍單曲,至今全球銷量高達七百九十萬張。第二張單曲〈Poker Face〉在2008年9月29日發佈,並且在20國成為冠軍單曲,幾乎所有世界上的音樂市場都包括在內。在2009年4月的告示牌Hot 100,〈Poker Face〉成為Gaga的第二張連續冠軍單曲,至今全球銷量已達九百二十萬張。而此後的專輯第三波主打Love Game第四波主打Paparazzi也順利擠進Hot 100前十名名單中,以發行單曲全球總銷量至今已突破三千萬張。
Gaga主要受到了時尚的影響。她說她「是很了解時尚的」,而且那對於她是「最重要的」。她說,「當我寫歌的時候,我首先考慮我要在舞台上穿甚麼樣的衣服。結合在一起是很重要的-表演藝術,流行表演藝術,時尚。對於我,這一切結合在一起成為一個真正吸引人的故事。我希望他很吸引人。我希望圖像可以非常強大以致於Fans會想要嘗試而且喜歡我們的每個部份。」。
http://zh.wikipedia.org/wiki/%E5%A5%B3%E7%A5%9E%E5%8D%A1%E5%8D%A1
http://www.nownews.com/2009/08/03/11532-2486620.htm
[编辑] 生平
麥當娜出生在美國密歇根州贝城(Bay City)的天主教家庭,父親Silvio Ciccone是意大利裔美國人,克萊斯勒的工程師,母親 Madonna Fortin 是法國裔加拿大人。麥當娜小時候就與她的5個兄弟姐妹居住在底特律的郊區地帶,從龐蒂亞克到羅切斯特。
在1983年麥當娜的首張以自己名字命名的專輯《瑪丹娜 (專輯)》發行了。其中的第一首歌《Holiday》在好幾個國家都大為熱門。《Madonna》中的其它熱門歌曲包括了《Borderline》和《Lucky Star》。這張專輯由 John 'Jellybean' Benitez 擔任製作人,他與麥當娜也有過一段浪漫關系。專輯的最初銷量很有限,幸好有了革命性的有線電視頻道MTV,麥當娜得以展現在全國觀眾面前,而專輯也登上了 Billboard 第8位,並取得了5個白金的銷量。
在1984年麥當娜發行了第二張專輯 《Like A Virgin(宛若處女)》。
1986年9月,麥當娜發行了第三張專輯《True Blue(至愛)》,製作人為Patrick Leonard。
1992年,麥當娜厭倦了記者對其私生活無休止的報導,聲稱:“會讓人們一次看個夠!”她以此為理由在1992年12月發行了豪華金屬包裝的寫真集《SEX(性)》,裏面還有一首名為《Erotic(情慾)》的單曲。寫真集中圖片內容大膽,全部是麥當娜與當時的名模、名媛、同性戀等人的暴露黑白照片。文字也充滿了性幻想、性變態的內容。雖然飽受道德人士的鞭撻,但限量十萬冊的昂貴寫真還是掀起了搶購熱潮。
再度回到歌迷視線的麥當娜變得深沈內斂。1994年10月,她發行了個人第六張專輯《Bedtime Stories(枕邊故事)》。
1996年,麥當娜獲知導演Alan Parker,編劇之一的Oliver Stone在為改編自Weber(韋伯)同名音樂劇的影片《Evita(艾薇塔)》的女主角人選爭執不下,她連忙寫長信給Alan Parker推薦自己,並附上了自己的歌曲《Take A Bow》的音樂錄影帶以證明自己的古典氣質,最後影片如願由她出演。
1998年3月,其音樂事業停滯不前的麥當娜發行了第七張個人專輯《Ray Of Light(光芒萬丈)》,這也是她歌手生涯中最為重要的專輯之一。制作人為William Orbit.專輯曲風前衛,將電子樂與當時最為流行的舞曲曲風相結合,營造出一種飄渺、神秘的氛圍。發行之初麥當娜認為這張專輯並不會有多大反響,但結果卻大相徑庭。
至2009年,麥當娜共主要獲得了七次GRAMMY(格萊美),分別是:最佳長篇錄影帶(Blond Ambition Tour 1991)、最佳短篇音樂錄影帶(Ray Of Light,1998)、最佳舞曲專輯(Ray Of Light,1998)、最佳流行專輯(Ray Of Light,1998)、最佳電影歌曲(Beautiful Straner,1999)、最佳電子/舞曲專輯(Confessions On A Dance Floor,2006)、最佳長篇錄影帶(Confessions Tour 2007).
2000年,麥當娜與英國導演Guy Ritchie(蓋·裏奇、佳·烈治)結婚並移居英國。8月11日,他們的兒子Rocco Ritchie出生。12月22日,他們在蘇格蘭(Scotland)舉行了婚禮。12月21日,麥當娜之子Rocco Ritchie的洗禮儀式在英國舉行。
進入2005年,全球都陷入了對復古美感的追求中。麥當娜敏銳地捕捉到了這一點,並與自己的舞曲天賦相結合發行了第十張個人專輯《Confessions On A Dance Floor(舞池告白)》。
自新世紀,麥當娜開始熱心於慈善事業與人道主義的建設中。她支持同性戀,認為任何人都能自由相愛,而她的歌曲也一直為大部份同性戀人士所青睞,成為“Gay Icon”。麥當娜十分熱衷於環保活動,2007年5月16日,麥當娜發行了只可在互聯網上下載的新單曲《Hey You》。7月7日,她參加活樂地球(Live Earth)在英國的演出時現場演唱了這首公益性質的歌曲,壓軸出場的她獲得了全場觀眾的追捧。但她的演唱會卻被環保人士批評並不夠環保。
2007年10月,麥當娜宣佈即將離開華納唱片(Warner Music),以10年1.2億美元的高額合約加入Live Nation公司,成為了Live Nation公司的第一位錄音室合約歌手。
在麥當娜剛剛出道的1984年,她的一些裸體黑白照片在《閣樓》和《花花公子》雜誌上刊登出來。這些照片是麥當娜於七十年代後期為了謀生在紐約拍攝的。一些人擔心這些照片會毀了麥當娜,她的家鄉也取消了計畫要頒給她的榮譽市民獎項。但不出意料,麥當娜洗脫了醜聞,並且回擊“這又怎麼樣呢?”和“我並不感到羞愧”。麥當娜這句“這又怎麼樣呢?”不久被印在了《Ciccone Youth》的封面上。
http://zh.wikipedia.org/wiki/%E9%BA%A5%E7%95%B6%E5%A8%9C
編劇:陶德‧海恩斯
演員:克里斯丁貝爾/凱特布蘭琪/李察吉爾/希斯萊傑/大衛克羅素
劇情簡介
無論你是否聽過他的音樂,巴布狄倫,都是搖滾樂壇無可取代的永恆傳奇!
http://www.atmovies.com.tw/movie/film.cfm?film_id=fien40368794
很抱歉,如果你是要一部電影從頭到尾,把一個人身邊發生的事情按步就班好好拍給你看,就不要找陶德海恩斯拍的片子了,這個導演就是與眾不同,他要談巴布狄倫也不是找一個人來演巴布狄倫,而是找了六個完全不同的人(包括黑人小孩、女扮男裝的凱特布蘭琪、等等差異很大的個體)來表現不同時期的巴布狄倫,在片中他們也有自己的名字,所以如果你根本不知道這是一部巴布狄倫的傳記,那麼在一片霧煞煞中,可能還會以為是六個不同的人物呢。
《搖滾啟示錄》有很大的成份,需要觀眾用感覺的,而不是硬要把它「看懂」,太多虛虛實實了,它絕對不會明白告訴你「因為這件事所以他就變成那樣子」,而是用半紀錄片的方式,從他自己的話以及他人的看法當中,慢慢地把巴布狄倫的輪廓勾勒出來,而且這種勾勒法,並非傳統順序性的,最後都是把全貌繪出來,卻不按照死板的規則,這裡畫一筆,那裡再加一筆,所以在過程中觀眾會感到比較難立刻看出所以然,《搖滾啟示錄》需要一點耐心去體會,漸漸地,你也會發現自己對這個知名人物的認識越來越多。
《搖滾啟示錄》真的很特別,像這樣子拍攝手法的電影,要看到還真不容易,卻也因為手法的關係,讓這部電影不是那麼容易打入一般觀眾市場,強烈建議喜歡風格的影迷,先做一點功課(基本上讀完這篇文章就已經是修了一個必修學分了 XD),也做好心理建設,再來看《搖滾啟示錄》。若本身就是巴布狄倫迷,那是最好不過的了,對於他的歌曲熟悉,必定有助於了解電影(包括英文片名也是出自歌曲的)。不過如果是個電影看不多的巴布狄倫迷,一下子要跳級看這樣的電影可能也會有點吃力呢,總之,這篇文章最大的目的,還是希望讓大家知道《搖滾啟示錄》的特色在哪,不要抱著看一般傳記的心態進了戲院然後出來就罵「拍什麼我都看不懂」,這樣就可惜了一位難能的好導演和一群好演員(本文沒特別提及演員,其實他們也都很棒,只是《搖滾啟示錄》最搶眼的人是「導演」而已,不然除了凱特布蘭琪大姐之外,還有克利斯汀貝爾〔Christian Bale〕、希斯萊傑〔Heath Ledger〕、李察基爾〔Richard Gere〕等等)。
□ 能夠看比較抽象表達的手法
□ 能看MTV
□ 先做過功課,知道這部片是在說巴布狄倫
□ 喜歡《絲絨金礦》
□ 最好知道一些巴布狄倫的歌曲
□ 能接受非直線的敘事
□ 能接受不能理性解析的概念藝術設計
□ 喜歡 CULT 片
http://blog.nownews.com/firewalker/textview.php?file=0000182755
相信,許多人聽見《搖滾啟示錄》的譯名,就會想到貓王、披頭四、滾石等搖滾巨星,甚至開始期待這是不是另一部講述搖滾明星發跡歷程、節奏高潮迭起的劇情片。其實,這部片名最初在金馬影展時主辦單位想了一個非常別緻的譯名:《巴布狄倫的七段航程》,導演陶德海恩斯大膽地運用多位不同背景、不同膚色的演員,來詮釋美國傳奇民謠歌手巴布狄倫的一生,更有趣的是電影原名為《I'm not there》,開宗明義就表示「我(巴布狄倫)不在這裡面」。
font color=101099>Marcus Carl Franklin:這位黑人小孩飾演Woody Guthrie,代表幼年時期的巴布狄倫。Marcus Carl Franklin曾在HBO出品的《藍調人生》演出,能歌善演。而片中他飾演的角色故意取名為20世紀初期赫赫有名的民謠歌手Woody Guthrie,因為Woody是巴布狄倫的偶像,更是早期巴布狄倫的模仿對象,1961年當20世紀初期最偉大的民謠歌手臥病在床時,19歲、滿頭捲髮、帶著滿腹理想的巴布狄倫就前往紐澤西Woody的病床前探望,在他病床前抱著木吉他唱著自己為Woody寫的歌,對病榻上的偶像獻上最高敬意。電影裡,Woody的逝世和狄倫的興起,就是由這個黑人小演員帶出。雖然巴布狄倫的名氣和影響力遠遠超過Woody,但是在歷史上,Woody卻是一位社會實踐者,他走過經濟大蕭條、二次大戰、美國反共產主義、麥卡錫主義、冷戰,早在同樣的年紀Woody走過的路、遇過的狀況可比狄倫還多,也因此Woody Guthrie在美國人心中,甚至民謠史上的地位是這麼地不同。
Julianne Moore:飾演民權歌手Alice Fabian,和電影裡許多虛構角色一樣,這位Alice則是詮釋民謠女歌手Joan Baez的虛構人物。Joan Baez是誰呢?如果說巴布狄倫是民謠男性歌手的權威,那麼能和他相提並論的民謠權威女歌手就是Joan Baez,二人也同樣都是知名的民權運動者。兩人曾因為在事業和理念相同,關係亦師亦友,甚至還譜過一段短短的戀曲,但最後還是因為對於民運活動的意見分歧、加上狄倫的花心而分手。兩人直到1970年狄倫傷後復出,才重修舊好,並且一起巡迴表演。不過,電影裡最好玩的是Alice這個角色不光出現在「偽訪談」的影像裡,連電影中西斯萊傑扮演的Robbie主演的電影「Grain of Sand」(取名自1981年狄倫所創作的福音歌曲《Every Grain of Sand》),裡面的女主角也叫作Alice,這種戲中戲的的方式不但加深了剪不斷、理還亂的人物關係(似乎呼應了年輕時期狄倫的情感世界),也證明了Joan Baez在狄倫生命前期的重要性。
http://app.atmovies.com.tw/eweekly/eweekly.cfm?action=edata&vol=192&eid=v192113
[編輯] 60年代前期
迪倫於1941年5月24日出生於明尼蘇達州一個名叫杜魯斯的小鎮,他的祖父母是猶太裔的移民,於十九世紀末從立陶宛和烏克蘭移民到美國。他的童年生活,大部分都在收音機前聽廣播裡的藍調和鄉村歌曲中度過;他在高中的時候就有自己的樂團,最早已知的錄音John Bucklen Tape[2],是他於1958年與高中好友John Bucklen在迪倫家中翻唱Little Richard和Richard Rodgers等人的歌曲。他於1959年高中畢業,並前往明尼蘇達大學就讀。他在大學時代,漸漸對民謠產生興趣,開始在學校附近的民謠圈子演出,並首度以鮑伯‧迪倫作藝名。大學第一年沒讀完,他就從學校退學,但依然留在明尼阿波利斯與那裡的民謠圈內演出。
他曾經於1963年和1964年,兩次在新港民謠音樂節(Newport Folk Festival)上演出。六零年代的民謠音樂界,對於搖滾樂的出現與盛行普遍感到不滿,迪倫卻在1965年7月25日,於當年的民謠音樂節中,第一次在舞台表演中使用電吉他,在觀眾的掌聲和噓聲中,他僅僅演唱了三首「插了電(Plugged)」的歌曲,隨即被憤怒的聽眾趕下台,這被認為是其從民謠轉向搖滾樂的轉折點。關於為什麼迪倫要在1965年的表演中使用電吉他,從而讓許多他原來的民謠聽眾認為他是一個叛徒,一直有著多種不同的解釋。但是,這次表演也被認為是民謠歷史上的一個重要時刻,因為它代表著即使是對迪倫這樣的繼承傳統的音樂家來說,民謠再也無法再滿足迪倫的需求了。
當迪倫與與哥倫比亞的第二張合約期滿之後,雙方無法達成新約定,於是他在1973年與格芬唱片簽了一份發行一張專輯的合約,即Planet Waves;為了推銷這張唱片,迪倫於1974年與長年的老朋友The Band一起進行北美巡迴演出,巡迴演出結束後不久,與妻子的關係開始惡化。
進入90年代,迪倫出版唱片的速度開始變得緩慢,其中在1992年的As I Been to You、和1993年的World Gone Wrong中,他重新拾起早期的民謠,翻唱許多並不廣為人知的歌曲。1992年10月16日,在麥迪遜花園廣場,舉辦了一場紀念迪倫踏入歌壇三十年的演唱會,其中包括尼爾·楊(Neil Young)、埃里克·克萊普頓(Eric Clapton)、前披頭四吉他手喬治·哈里森(George Harrison)等人均到場表演[4]。1995年,迪倫在MTV音樂台錄製不插電演唱會;1997年初,由於突然心臟病發作,當年的歐洲巡迴被迫取消,但他很快就康復出院,甚至還於當年9月27日,在教宗若望保祿二世面前表演[5]。1997年9月30日,迪倫發行了由Daniel Lanois製作的Time out of Mind,距離他上一張原創專輯Oh Mercy有八年之久。
1.Bob Dylan (1962)
2.The Freewheelin' Bob Dylan (1963)
3.The Times They Are a-Changin' (1964)
4.Another Side Of Bob Dylan (1964)
5.Bringing It All Back Home (1965)
6.Highway 61 Revisited (1965)
7.Blonde on Blonde (1966)
8.John Wesley Harding (1967)
9.Nashville Skyline (1969)
10.Self Portrait (1970)
11.New Morning (1970)
12.Pat Garrett & Billy The Kid (1973)
13.Dylan (1973)
14.Planet Waves (1974)
15.Before the Flood (1974)
16.Blood on the Tracks (1975)
17.Basement tapes (1975)
18.Desire (1976)
19.Hard Rain (1976)
20.Street Legal (1978)
21.Budokan (1978)
22.Slow Train Coming (1979)
23.Saved (1980)
24.Shot of Love (1981)
25.Infidels (1983)
26.Real Live (1984)
27.Empire Burlesque (1985)
28.Biograph (1985)
29.Knocked Out Loaded (1986)
30.Down In The Groove (1988)
31.Oh Mercy (1989)
32.Under The Red Sky (1990)
33.Good As I Been To You (1992)
34.The Bob Dylan 30th Anniversary Concert Celebration (1993)
35.World Gone Wrong (1993)
36.Unplugged (1995)
37.Time out of Mind (1997)
38."Live 1966" (The « Royal Albert Hall » concert The Bootleg Series Volume 4) (1998)
39.Love and Theft (2001)
40."Live 1975" (2002)
41."Live 1964" (2004)
42.Modern Times (2006)
43.Together Through Life (2009)
[編輯] 簡歷
1962年與EMI百代唱片公司簽約錄製唱片。
1963年初,單曲唱片《Please Please Me》登上英國排行榜首位。
1964年,披頭四首次前往香港演出。
1964年,披頭四首次前往美國演出。
1966年在東京的日本武道館舉行了大規模的音樂會。
1966年8月29日晚在舊金山舉行最後一場收費現場音樂會。
1970年4月10日,保羅·麥卡尼個人專輯中的話被媒體視為宣布樂團解散。
1970年12月31日,保羅正式起訴樂團其他三位成員,要求結束樂團合作並指明管理並分配樂團財產的正式人選。
[編輯] 建立(1957-1960)
[編輯] 1957
1957年3月,約翰·藍儂建立了一個名為 The Quarrymen(採石工人)的噪音爵士(Skiffle)樂團。麥卡尼在同年6月6日第一次見到藍儂,不久,他同意加入樂團。
1958年2月6日,麥卡尼邀請Harrison來看樂團的表演。1958年的一次排練後,Harrison也加入了The Quarrymen,成為樂團主音吉他手。當時,藍儂 和麥卡尼都負責演奏旋律吉他。
[編輯] 1960
1960年8月12日,樂團對Pete Best進行了試聽,隨後Pete便同意加入樂團做鼓手並一起在Hamburg表演。Pete加入後4天,樂團就去了Hamburg。The Beatles 在Bruno Koschmider的Indra Club待了48天,10月時他們轉移到了the Kaiserkeller,但他們不久又答應了在 Top Ten Club的演出,由於這間酒吧是Koschmider的死對頭,他們的合同被解除了。Koschmider很生氣,於是向德國當局報告Harrison謊報年齡的事,導致Harrison在11月21日被驅逐出境。麥卡尼和Best也在另一場演出中被控縱火,隨後也被驅逐。藍儂則在12月中旬回到了利物浦(Liverpool),而此時Sutcliffe卻和他的德國未婚妻Astrid Kirchherr一起留在了Hamburg。12月17日,重聚的樂團在The Casbah Coffee Club進行了一次表演,Chas Newby代替了Sutcliffe。
1961年4月,The Beatles回到Hamburg,再次在the Top Ten Club表演。他們被歌手Tony Sheridan(他當時也在酒吧)雇傭做伴奏樂團,參與由著名樂團指揮 Bert Kaempfert製作的德國Polydor Records唱片公司的一系列錄音。7月22日進行第一次錄音時,Kaempfert與樂團正式簽約,10月31日Polydor唱片公司發行了由Sheridan領唱的"My Bonnie (Mein Herz ist bei dir nur)",這首歌登上了德國榜單。美國Decca Records唱片公司也發行了少量複製碟。當樂團回到利物浦,Sutcliffe與Kirchherr留在了Hamburg,所以只好由麥卡尼勉強擔任貝司手。
1962年1月24日,他們就和Epstein簽了一張5年的合約。Kaempfert同意與The Beatles解約,但Decca Records A&R的管理人員Dick Rowe卻對Epstein說「吉它樂團已經過時了,Epstein先生。」Epstein隨後與EMI的市場經理Ron White相接觸,並通過他認識了EMI的製作人Norrie Paramor、Walter Ridley、和 Norman Newell,但他們都拒絕為樂團製作唱片。由於EMI的第四個王牌製作人George Martin正在度假,White無法聯繫到他。從1962年4月13日到5月31日,The Beatles回到了Hamburg在The Star Club進行表演。到達後,他們就聽說了Sutcliffe腦溢血死亡的消息。
[編輯] 1963
Epstein在倫敦牛津街上的HMV音像商店把The Beatles在Decca的錄音室錄製的歌曲轉換為唱片。他隨後向EMI的發行部門執行人員Sid Coleman求助。最後,他見到了Martin,Martin把樂團簽到了EMI旗下的Parlophone唱片公司,為期一年(可續)。與Martin進行了第一次錄音後,Martin向Epstein抱怨鼓手Best的問題,並建議樂團在錄音室啟用臨時鼓手。除了Martin的批評,Epstein也因Best拒絕與樂團在舞台上統一造型大為光火。當Beatles的個別成員聽說了Martin的意見後他們向Epstein提出要求開除Best,1962年8月16日,Best被解僱了,這時Epstein已經向Ringo Starr提出了加入樂團的邀請。Starr是Rory Storm and the Hurricanes的鼓手,在Humburg時,當Best太虛弱而無法打鼓時,Starr有幾次代替他與Beatles表演。9月4日,Starr參與了Beatles在EMI的第二次錄音,但在9月11日的下一次錄音中,Martin又僱用了臨時鼓手Andy White 。White只參與了兩首發行的作品,Beatles第一張專輯的"Love Me Do"和"P.S. I Love You"。
1964年2月7日,4000名歌迷在Heathrow機場歡呼著為即將第一次出發前往美國的樂團送行。在一些早期的發行物失敗後,「I Want to Hold Your Hand」在短短的兩個星期內賣出了260萬張,但The Beatles還是對他們能否在美國獲得廣泛接納感到擔心不已。然而當他們到達John F. Kennedy機場時,他們仍舊受到了3000位歌迷的熱烈歡迎。
1965年6月,Queen Elizabeth II(伊莉莎白二世)任命Beatles為「帝國勳章獲得者」(MBE)。這是由總理Harold Wilson提議的。在The Beatles之前,得到此勳章的都是退伍老兵或民間領袖。這也使得一些保守的MBE獲得者發表書面聲明要求退回獎章。
[編輯] 1966
1966年7月的一次菲律賓巡演中,The Beatles無意間怠慢了該國第一夫人Imelda Marcos,她希望能夠邀請樂團在總統府共進早餐。受到邀請時,Epstein代表樂團委婉地拒絕了,因為他的策略是從不接受這樣的官方邀請。樂團很快發現Marcos政團不習慣於得到「不」的回答,由此造成的騷動使樂團陷入難以離開該國的危險。
當The Beatles與Maharishi一同在Bangor進行超覺靜坐靜修時,Epstein的助手Peter Brown打電話告知了Epstein的死訊。驗屍官判定他的死因為意外的過量用藥,但新聞輿論界猜測這在某種程度上可能是自殺,因為傳言在Epstein的房子里發現了自殺遺書。
Epstein的死讓樂團對他們的前途感到不知所措而恐懼。他們從成功開始就依靠Epstein,而現在他們只有把Maharishi當作精神領袖。他們計劃與Maharishi在他位於Rishikesh的靜修處一起度過3個月。儘管10個星期後Starr就回到了英國,剩下的成員呆在印度的時候是他們最富有創造力的時光。1968年2-4月,他們創作了很多歌曲,其中17首被收錄在專輯The Beatles中,也就是通常所說的The White Album。
蘋果唱片公司位於倫敦Savile街3號的原址,屋頂就是Let It Be的演出場所從印度回來的The Beatles建立了蘋果唱片公司中文維基百科未有蘋果唱片公司頁面,可參考英語維基百科的對應頁面,Apple Corps。,這也是Epstein原本計劃要做的。專輯Magical Mystery Tour在美國立刻收到歡迎,並在前三周創下了首發專輯的最高銷量記錄。但是在1967到1968年的冬天,他們的電視電影Magical Mystery Tour受到了禁止複審。他們第一張在蘋果唱片發行的唱片在英美兩國都得到了第一名。但在錄音期間,意見分歧使樂團開始陷入分裂,Starr離開了樂團一段時間,所以在一些歌曲中只好由麥卡尼來打鼓。
1970年4月10日,麥卡尼公開宣布他離開The Beatles的消息,一個星期後,他的個人專輯麥卡尼發行。預售版的專輯包括他自己撰寫的他與The Beatles在一起的故事與他對未來的希望。5月8日,Spector製作的Get back被更名為Let it be並在同名紀實電影之後發行。儘管1970年12月31日麥卡尼就已經申請並解散了樂團,但直到1975年The Beatles仍有合作。
[編輯] 1970-1980
正式解散之前一小段時間與隨後的幾年,Beatles的四名成員都發行了個人專輯。其中有一些包括與前Beatles成員的合作,Starr的Ringo是唯一一張四個人都有參與的,儘管是在不同的歌曲中。1971年8月Harrison與西塔琴大師Ravi Shankar一起在紐約進行了Concert For Bangladesh(孟加拉國)。除了1974錄製的一段未發行的即興演奏,藍儂和麥卡尼再也沒有合作。
1980年12月8日,藍儂在紐約被槍殺。1981年5月,Harrison發行了一支關於他和The Beatles在一起的時光的迷宮名為"All Those Years Ago"的單曲。這首歌是在藍儂死前一個月錄製的,Starr負責打鼓,後來作為向藍儂致敬的曲目改詞重錄。麥卡尼和他的妻子琳達在這首歌里擔任和聲。1982年4月,麥卡尼發行了Tug of War專輯,其中包含他向藍儂致敬的歌曲"Here Today"。
1994年,麥卡尼、Harrison與Starr為精選集的製作而重聚,這項工作是六十年代末由Neil Aspinall開始策劃的。Aspinall最初是他們巡演時的旅行管理員,後來成了他們的私人助理,1968年他成為蘋果唱片的經理後,他開始為一部紀錄片搜集The Beatles的音樂片段。Aspinall暫時把紀錄片命名為The Long and Winding Road,。這部紀錄片以The Beatles自己的視角來講述他們的故事,其中包含了一些樂團未發行的早期作品,麥卡尼, Harrison與Starr還在七十年代末藍儂錄製的兩首示範作品里加入了一些樂器和和聲。1995到1996年,他們製作了一部有5個部分的電視劇,一套八張碟的錄像帶,三套包含兩張CD的唱片與兩支單曲。唱片由Klaus Voorman繪製封面,The Beatles在漢堡時就認識他,他也是1966年Revolver唱片封面的製作者。唱片獲得了極大的商業成功,全球約有四億人觀看了這部電視劇。
2001年11月29日,Harrison死於肺癌。Martin與他的兒子Giles Martin為Cirque du Soleil的戲劇作品Love配樂重新製作了一些Beatles的歌曲。2006年原聲帶Love發行。2007年麥卡尼與Starr在Larry King Live的一次採訪中重聚並討論了他們對於戲劇的想法。Beatles成員的遺孀Yoko Ono與Olivia Harrison與麥卡尼和Starr一起出席了Love在Las Vegas的周年紀念。2007年,有報導稱麥卡尼希望完成"Now and Then",這是樂團在製作精選集時第三首藍儂的單曲,麥卡尼將在歌曲中加入一些創作,Starr將重新錄製鼓的部分,還會利用一些之前錄音的Harrison的吉他片段。
[編輯] 對於流行文化的影響
Beatles對於搖滾樂與流行文化的影響是前所未有的。六十年代末期,他們的髮型與著裝引領起世界範圍的模仿。在錄音室中The Beatles創新地使用高科技,與錄音工程師一起親密地工作,富有實驗精神並精益求精。同時他們堅持尋找方法利用一些偶然的錯誤,比如意外的吉他噪音,一個共鳴的玻璃杯以及錯誤的錄製使聲音倒放,他們把這些錯誤全部混合進他們的音樂中。 The Beatles重新定義了唱片,它不再只是包含幾首熱門單曲而剩下的歌曲僅僅作為填充物。他們還是英國第一個在發行單曲的同時帶有一些視頻片段的藝人。1965年Shea Stadium的North American tour是第一次登上大型體育館的娛樂性質演出。許多藝人表示受到Beatles音樂的影響或者曾經通過翻唱他們的歌曲取得成功。
在漢堡時,The Beatles為了娛樂以及在一整晚的表演中維持興奮狀態,曾使用prellies(苯甲嗎啉)。麥卡尼通常只使用一劑,但藍儂卻一次使用四到五劑。在1964年他們去紐約時,Bob dylan給他們介紹大麻,麥卡尼記得他們吸食後都「很興奮」並一直傻笑。在製作電影Help!期間,The Beatles一次偶然在去錄音室的車裡吸食了大麻煙捲,這有時讓他們幾乎失去了底線。
當樂團還叫做The Quarrymen並剛開始從skiffle音樂過渡時,在他們的搖滾歌曲中混合了艾維斯·普利斯萊與Little Richard的元素,從1957年開始,直到他們在1966年的最後一場演唱會,樂團比其它任何藝人翻唱了更多Chuck Berry的歌曲。1962年4月到5月,The Beatles與Little Richard一起在漢堡的Star Club表演,期間他們建立了友誼, Little Richard還教給了Beatles一些表演技巧。對於Presley,藍儂說:「從來沒有什麼給過我如此大的影響,直到我聽到Elvis。如果沒有他,也不會有Beatles。」貓王去世後,約翰·藍儂說,「貓王雖死,但搖滾不滅,貓王萬歲。」
Beatles對於在每首歌中都能有所創新的堅持,再加上Martin卓越的管理才能,以及EMI專業的錄音工程師如Norman Smith、Ken Townsend及Geoff Emerick,這些都是組成Rubber Soul(1965)、Revolver(1966)及Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band(1967)這些優秀專輯的要素。
The Beatles參演了五部電影,這些電影全部發行了原聲帶。在Richard Lester執導的兩部電影A Hard Day's Night (1964)與Help! 中,The Beatles就演他們自己。樂團導演,製作並主演了時長一小時的電視電影Magical Mystery Tour (1967)。帶有迷幻色彩的動畫電影Yellow Submarine(1968)講述了樂團成員們的一次卡通冒險,但其中沒有使用他們的聲音,成員們只是在影片最後簡短的實景拍攝中出現。他們的最後一部電影,紀實片Let It Be在1970年上映,獲得了1971年的奧斯卡最佳配樂獎。
[編輯] 英國
專輯榜冠軍最多(15張)
單曲榜冠軍最多之團體(17張)
單曲榜在榜最久之團體(456周)
單曲榜據冠軍最久之團體(69周)
單曲榜TOP 10最多之團體(28張)
專輯榜據冠軍最久(174周)
[編輯] 美國
唱片銷售最高(170白金)
單曲榜冠軍最多(20張)
專輯榜冠軍最多(19張)
專輯榜據冠軍最久(132周)
單曲榜在榜最久之團體(609周)
單曲榜據冠軍最久之團體(59周)
1964年4月4日之單曲榜,披頭四佔據了前5名。同樣現象至今仍未出現第二次。
[編輯] 其他國家
德國單曲榜冠軍最多(12張)
澳洲單曲榜冠軍最多(23張)
荷蘭單曲榜冠軍最多(21張)
瑞典單曲榜冠軍最多(18張)
加拿大單曲榜冠軍最多(22張)
挪威單曲榜冠軍最多(21張)
[編輯] 音樂作品
主條目:披頭四作品列表
大碟Abbey Road英國
《Please Please Me》(1963年3月22日)
《With The Beatles》(1963年11月22日)
《A Hard Day's Night》(1964年7月10日)
《Beatles For Sale》(1964年12月4日)
《Help!》(1965年8月6日)
《Rubber Soul》(1965年12月3日)
《Revolver》(1966年8月5日)
《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》(1967年6月1日)
《The Beatles》(1968年11月22日)
《Yellow Submarine》(1969年1月17日)
《Abbey Road》(1969年9月26日)
《Let It Be》(1970年5月8日)
美國
《Introducing... The Beatles》(1964年1月10日)
《Meet The Beatles!》(1964年1月20日)
《The Beatles' Second Album》(1964年4月10日)
《A Hard Day's Night》(1964年6月26日)
《Something New》(1964年7月20日)
《Beatles '65》(1964年12月15日)
《Beatles VI》(1965年6月14日)
《Help!》(1965年8月13日)
《Rubber Soul》(1965年12月6日)
《Yesterday and Today》(1966年6月15日)
《Revolver》(1966年8月8日)
《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》(1967年6月1日)
《Magical Mystery Tour》(1967年11月27日)
《The Beatles》(1968年11月22日)
《Yellow Submarine》(1969年1月13日)
《Abbey Road》(1969年10月1日)
《Let It Be》(1970年5月8日)
加拿大
《Beatlemania! With The Beatles》(1963年11月25日)
《Twist and Shout》(1964年2月3日)
《The Beatles' Long Tall Sally》(1964年5月11日)
http://zh.wikipedia.org/wiki/The_Beatles
艾維斯·普利斯萊艾維斯·普利斯萊(英語:Elvis Presley,1935年1月8日-1977年8月16日),暱稱貓王(The Hillbilly Cat and King of the Western Bop),知名美國搖滾樂歌手與演員。普萊斯里出生於密西西比州圖珀洛(Tupelo, MS),曾經在德國美軍基地服役,與他同期的搖滾歌手還有Dean Martin、Bill Haley、Chuck Berry、Buddy Holly、Jerry Lee和Little Richard等。美國南方歌迷為他取的暱稱「The Hillbilly Cat」,意為「來自南方的小貓」。
[編輯] 歌壇
1957年艾維斯·艾倫·普里斯利於1月8日誕生於密西西比州塔佩洛鎮,他有一個雙胞胎兄弟傑西蓋倫,但出生時已早夭。母親葛萊蒂絲很寵他,父親佛農曾因詐騙入獄多年。
《Elvis Presley》(1956年3月23日)
《Elvis》(1956年10月19日)
《Elvis' Christmas Album》(1957年10月15日)
《Elvis Is Back!》(1960年4月8日)
《His Hand in Mine》(1960年12月)
《Something for Everybody》(1961年6月17日)
《Pot Luck》(1962年6月5日)
《How Great Thou Art》(1967年2月20日)
《From Elvis in Memphis》(1969年6月17日)
《Back in Memphis》(1970年11月)
《Almost in Love》(1970年11月)
《Elvis' Christmas Album》(1970年)
《Elvis Country》(1971年1月2日)
《Love Letters from Elvis》(1971年6月16日)
《Elvis Sings the Wonderful World of Christmas》(1971年10月20日)
《Elvis Now》(1972年2月20日)
《He Touched Me》(1972年4月)
《Elvis》(1973年7月)
《Raised on Rock》(1973年10月1日)
《Good Times》(1974年3月20日)
《Promised Land》(1975年1月8日)
《Today》(1975年5月7日)
《From Elvis Presley Boulevard Memphis Tennessee》(1976年5月)
《Moody Blue》(1977年7月19日)
[編輯] 英語精選輯
《Elvis' Golden Records》(1958年5月21日)
《50,000,000 Elvis Fans Can't Be Wrong:Elvis' Gold Records - Volume 2》(1959年11月13日)
《Elvis' Golden Records Volume 3》(1963年8月11日)
《Elvis' Gold Records Volume 4》(1968年1月2日)
《Elvis: A Legendary Performer Volume 1》(1974年1月2日)
《Pure Gold》(1975年)
《Elvis: A Legendary Performer Volume 2》(1976年1月8日)
[編輯] 演唱會專輯
《On Stage》(1970年6月)
《Elvis in Person at the International Hotel》(1970年11月)
《As Recorded at Madison Square Garden》(1972年6月18日)
《Aloha from Hawaii: Via Satellite》(1973年2月4日)
《As Recorded Live on Stage in Memphis》(1974年7月7日)
《Having Fun with Elvis on Stage》(1974年10月)
《Elvis in Concert》(1977年10月3日)
[編輯] 英語合輯
《For LP Fans Only》(1959年2月6日)
《A Date with Elvis》(1959年7月24日)
《Elvis for Everyone》(1965年8月10日)
《Elvis Sings Flaming Star》(1969年4月)
《Let's Be Friends》(1970年4月)
《Worldwide 50 Gold Award Hits Vol. 1》(1970年8月)
《You'll Never Walk Alone》(1971年3月22日)
《C'mon Everybody 》(1971年7月)
《The Other Sides - Elvis Worldwide Gold Award Hits Vol. 2》(1971年8月)
《I Got Lucky》(1971年10月)
《Elvis Sings Hits from His Movies, Volume 1》(1972年6月)
《Burning Love and Hits from His Movies, Volume 2》(1972年11月1日)
《Separate Ways》(1973年1月)
《Double Dynamite》(1975年12月)
《The Sun Sessions》(1976年3月22日)
《Welcome to My World》(1977年3月)
[編輯] 電影
1956年貓王進軍影壇,拍下首部電影《Love Me Tender》」,1957年拍攝自傳電影《Loving You》,1960年,貓王開拍退伍後的首部電影《G.I. Blues從軍樂》,1961年2月25日田納西州州長宣布此日為「貓王日」。1961年十一月,貓王的第8部電影《藍色夏威夷》和原聲帶專輯同時推出,歌曲包括了《Blue Hawaii》、《No More》、《Moonlight Swim》和《Can't Help Falling in Love》。專輯榜首停留了20週。1961年到1968年之間主演了21部電影,這些好萊塢影片大多粗製濫造,貓王忙著拍電影,歌曲也都是為電影而唱,成績平平。
《Loving You》(1957年7月1日)
《King Creole》(1958年9月19日)
《G.I. Blues》(1960年10月1日)
《Blue Hawaii》(1961年10月1日)
《Girls! Girls! Girls!》(1962年11月9日)
《It Happened at the World's Fair》(1963年4月10日)
《Fun in Acapulco》(1963年11月1日)
《Kissin' Cousins》(1964年4月2日)
《Roustabout》(1964年11月)
《Girl Happy》(1965年3月1日)
《Harum Scarum》(1965年11月3日)
《Frankie and Johnny》(1966年3月1日)
《Paradise, Hawaiian Style》(1966年6月10日)
《Spinout》(1966年10月31日)
《Double Trouble》(1967年6月1日)
《Clambake》(1967年10月10日)
《Speedway》(1968年5月1日)
《Elvis》(1968年11月22日)
《That's the Way It Is》(1970年11月11日)
《Frankie and Johnny》(1976年11月)
[編輯] 入伍
1957年12月21日,美國國防部爭取貓王入伍,貓王以平民身份接受徵召,召集令上通知他在隔年1月25日入伍。當時他正在拍一部新片,派拉蒙公司為他辦理緩召,先把電影拍完。1958年3月24日,貓王應召入伍,前往位在德州Killeen郊區的第二裝甲師營區報到,剪短了頭髮,兵籍號碼是US-53310761,月薪78美元。一些唱片評論家都說他不久就會被青少年遺忘。該年母親葛萊蒂絲過世,貓王相當傷心。1958年10月1日至1960年3月2日派往德國服兵役。1960年3月5日,貓王退伍。在德州服役期間,每星期至少收到一萬封歌迷的來信。同時他與空軍上尉Joseph Beaulieu十四歲的女兒普莉西拉·普萊斯里(Priscilla Beaulieu Presley)戀愛,Priscilla搬進Graceland與貓王同居,兩人於1966年結婚,隔年1967在拉斯維加斯的Aladdin飯店結婚。1972年兩人宣布分手,並於隔年離婚,法院判定Priscilla擁有女兒Lisa Marie Presley的監護權。
雖然貓王生平曾與不少知名女性相戀,據悉與他有過性關係的女性超過3,000人,當中包括性感女神瑪麗蓮·夢露[1],但卻只曾與普莉西拉·普萊斯里結婚,生有一女麗莎瑪莉·普萊斯里(en:Lisa Marie Presley)
1970年尼克森總統在白宮辦公室接見貓王1960年以後貓王突出的作品非常少,很明顯在走下坡。1967年,艾維斯發表了一張福音歌曲專輯《How Great Thou Art》,佳評如潮,奪得唯一的一座葛萊美獎。這時英國的披頭四征服了歐美流行音樂市場,使貓王的地位備受威脅。1968年,他以「U.S. Male」證明其無可動搖的地位。
艾維斯之墓1977年8月16日被發現在浴室昏倒,經緊急送往醫院急救後,因心律嚴重失常導致心臟病突發過世,享年僅42歲。田納西州檢調則推測為藥物濫用[3],也有傳聞可能是吸毒或酗酒過量。當晚所有電視網路播出數千人穿著黑衣聚集在格雷斯蘭大樓悼念貓王。1977年的8月18日,貓王被葬於森林山公墓,他母親的墓旁。不久竟有三名歹徒意圖盜走艾維斯的遺體。又在貓王之父的決定下,母子遷葬到「雅園」(Graceland)內。
普萊斯里經常被認為是搖滾樂歷史上影響力最大的歌手,發行過77張唱片和101支單曲,曾經在一日之內同時發行7張唱片,多達149歌曲進入美國Bill Board唱片排行榜前100名,40首進入前10名,全球總發行量超過10億張,因此又有搖滾樂之王(The King of Rock 'n' Roll)的譽稱。從1969年至1977年貓王共舉行1,100場演唱會。共演出31部電影。樂團披頭四成員約翰·藍儂說,「貓王雖死,但搖滾不滅,貓王萬歲。」
1993年美國發行的貓王紀念郵票,共計發行1.24億張,面值29美分,總值3600萬美元。
1974年貓王首次穿著「孔雀服」參加洛杉磯的一個公開活動,並且穿著拍攝大碟《Promised Land》的封面,貓王相信孔雀能為他帶來好運,2008年8月11日在紐約拍賣出30萬美元,刷新了「貓王」遺物拍賣的最高紀錄。
[編輯] 注釋
1.^ 名人淫媒拜倫·拉菲爾(Byron Raphael)在接受《花花公子》雜誌、《紐約郵報》等媒體採訪時曾大揭貓王私生活秘史。
2.^ 《如何是好》(How to Be Good),P.66
3.^ 田納西州檢調當局透露,由貓王之體內檢出十種以上之管制藥品,推測可能是因濫用藥物過量致死。由於龐大的工作壓力,使得貓王不斷需要鎮定劑,貓王的私人醫生常開立大量第二級管制藥品予貓王。
[編輯] 外部連結
艾維斯·皮禮士利網上紀念館
http://zh.wikipedia.org/zh-tw/%E5%9F%83%E7%88%BE%E7%B6%AD%E6%96%AF%C2%B7%E7%9A%AE%E7%A6%AE%E5%A3%AB%E5%88%A9
[編輯] 生平簡介
1969年,他以積遜五人組樂團(初期稱為 Jackson 5)主唱身份初出道,而於1971年開始了個人獨唱生涯。至今,他已在全世界銷售了約7.5億張唱片,他的《顫慄》(Thriller)專輯至今仍是人類音樂史上銷量最高的唱片,全球銷量超過1.04億張。[1]傑克森一般被與貓王、披頭四並列為流行樂史上最偉大的歌手。30歲時,好友伊麗莎白·泰勒給了他「流行音樂之王」(King of Pop)這個頭銜,流傳甚廣至今。
[編輯] 家庭背景
主條目:傑克森家族
麥可傑克森,1958年8月29日的深夜出生於美國中部印第安納州的工業小城加里市的一個黑人家庭中[7],其父親傑瑟夫·傑克森(Joseph Jackson)和母親凱薩琳·傑克森(Katherine Jackson)有九個孩子,麥可排行第七。麥可的曾祖母是黑奴的後代,他的另一個遠祖是印第安人。
主條目:傑克森五人組
[編輯] 傑克森五人組樂團和摩城唱片公司
1960年代中期,麥可和四個哥哥在父親的組織下成立了演唱藍調音樂的《The Jackson 5》﹝傑克森五人組﹞,這個組合以麥可為主唱。
麥可在摩城唱片,共發行了4張個人專輯。
1972/08/04:Ben
1973/05/13:Music & Me
1975/01/16:Forever, Michael
麥可在摩城唱片的個人專輯中,上榜歌曲包括Got to Be There(1971年,首張個人專輯)、Rockin' Robin、I wanna Be Where You Are及冠軍歌曲Ben(均在1972年發行)。
1976年,傑克森五兄弟與哥倫比亞唱片公司簽訂了協議[7],先加入費城國際部,後來又轉到該唱片公司旗下的Epic唱片公司(Epic Records)[11]。
自此,麥可傑克森開始了他傳奇的音樂之旅 ── 前所未有、難得一見的「流行音樂之王」。
主條目:Off the Wall
1979年8月10日,麥可發行專輯《牆外》(Off The Wall,或譯:瘋狂)。此為麥可加盟新力唱片後的首張個人專輯; 《牆外》一發行即大受歡迎。單曲《Rock With You》和《Don't Stop 'Til You Get Enough》及其錄影帶更是屢登冠軍單曲寶座[10]。另一首抒情歌曲《She's Out Of My Life》在1980年也殺進排行榜前十名。該專輯發行一年內全球銷量超過1000萬張,在美國專輯榜中停留了84周之久[15],成為麥可音樂生涯中的重要轉折。
主條目:Thriller
麥可在白宮麥可的《顫慄》(en:Thriller),專輯發行於1982年11月30日。全球已經售出超過1.04億張,成為音樂史上最暢銷的唱片。
主條目:We Are The World
1985年,麥可參與組織並與萊昂納爾·里奇共同創作了單曲We Are The World(四海一家)。"We Are The World"旨在聲援向非洲饑民捐款的大型慈善活動「美國援非」,由45位歌手所共同演唱。這張單曲在美國狂銷700萬張,成為空前最佳銷量單曲(直到1997年才被艾爾頓·約翰的《風中之燭》所超過)。
主條目:Bad
傑克森的「飆」夾克衫1987年8月31日,麥可發行了唱片《飆》(Bad,又譯:壞、真棒)。
主條目:Dangerous
1991年11月31日,麥可發行了新專輯《危險之旅》(Dangerous)。麥可創記錄性的與新力唱片公司簽訂了高達8億9千萬美元的天價合約。
主條目:Black or White
[編輯] 專輯 HIStory 《歷史之旅》
主條目:HIStory: Past, Present and Future, Book I
在荷蘭埃因霍溫的傑克森巨型塑像《歷史之旅》(HIStory,又譯:他的故事)雙碟專輯發行於1995年6月16日。第一碟的15首歌是他過去熱門歌曲的精選,第二碟包括15首新歌。
主條目:Blood on the Dance Floor: HIStory in the Mix
1997年5月11日,麥可發行了混音專輯《赤色風暴》(Blood On The Dance Floor)。此專輯為麥可銷量最好的混音專輯。這張專輯共13首歌;前面5首歌是全新單曲;後面8首歌,是上張專輯《歷史之旅》中的歌曲的重新混音版本。
主條目:Invincible
2001年10月30日,專輯《萬夫莫敵》(Invincible)發行。
2003年11月21日,麥可發行了一首新歌「One More Chance」,這是他的精選集《獨一無二》(Number Ones)中的唯一的一首新歌。這首歌曾登上Billboard榜的藍調單曲銷售榜冠軍寶座3周。這首歌的錄影帶也是使用了電影蒙太奇拍攝手法,並準備在CBS電視台的特別節目「獨一無二的麥可·傑克森」中播出,但因為案件而取消。
主條目:This Is It (麥可·傑克遜演唱會)
2009年3月6日,麥可傑克森宣布將於7月在倫敦舉行一系列復出演唱會,這將是他超過10年來首次舉行大型演出。他證實,將自7月8日起在倫敦宏偉的O2體育場(O2 Arena)公演50場。據報導,這次演唱會75萬張門票在開售後4個半小時內給搶購一空,已經締造了流行音樂史上最高的紀錄。也證明他的人氣絲毫未減。
[編輯] The Wiz 《新綠野仙蹤》
主條目:The Wiz
1978年,麥可與黛安娜·羅絲一起出演電影The Wiz(新綠野仙蹤),並且結識了電影的音樂製作人昆西·瓊斯,他後來製作了麥可的三張經典的個人專輯:《牆外》(Off the Wall),《戰慄》(Thriller)和《飆》(BAD)。發行於1979年的《牆外》專輯,產生了4首Top10歌曲並在美國賣出了1000多萬張。
主條目:Captain EO
1986年,麥可參與演出了喬治·盧卡斯和弗朗西斯·福特·科波拉執導的3D影片Captain EO(伊奧船長),這部影片在迪士尼主題公園中一直播放到1998年。在當時,它是製作費用最為昂貴的影片,耗資達1700萬美元。這部影片中的兩首歌曲分別為 "We Are Here To Change The World" 和 "Another Part Of Me",後者被收錄到專輯《飆》中。
[編輯] 外型
主條目:麥可·傑克森的健康與外貌
傑克森的外型與膚色變化長久以來引起許多關注,許多人認為他酷愛整形並持續漂白皮膚,但據傑克森眾多友人及身邊同事指出,媒體所說的情況與事實有所出入。
傑克森曾多次表示深深以黑人為傲、以身為黑人為榮。他也是個反對種族主義的人,他對種族歧視深痛惡絕,並且認為人人應該平等。傑克森經常在演說、歌詞或訪談中提及美國黑人民權領袖馬丁路德金博士的平等運動。
傑克森在1993年和2003年分別兩次受到兒童性侵害案件的指控。1993年一案,在經過重重調查後,因原告提出證據不足,全案不起訴並和解落幕。而2003年一案,傑克森受到四項指控,最終在2005年6月13日,法院宣判傑克森所有罪名均不成立。此兩案對傑克森的形象與事業造成巨大負面影響。另外,有媒體報導稱93年一案當事兒童喬迪·錢德勒承認自己受父親埃文·錢德勒指使誣告傑克森,但並未被證實。傑克森去世4個月後,埃文·錢德勒也於美國當地時間2009年11月5日自殺身亡,但目前也無證據證明自殺是否與傑克森有關[24]。
主條目:麥可·傑克森的貢獻
傑克森是金氏世界紀錄的「全球捐助慈善事業金額最高藝人」,已知之捐款超過三億美元。他設立許多慈善機構,包括規模最大的「治癒世界基金會(Heal the World Foundation)(1992年成立)」,與「拯救兒童基金會(2001年成立)」,「麥可·傑克遜燒傷中心(1984年成立)」,「麥可·傑克遜愛滋病救助中心(1986年成立)」,「麥可·傑克遜有色人種教育基金會(1987年成立)」,「麥可·傑克遜兒童醫院(1993年於華沙成立)」,「麥可·傑克遜兒童醫院(1995年於巴黎成立)」,「麥可·傑克遜糖尿病患者基金會(1999年成立,VS伊莉莎白泰勒)」等,而固定資助之慈善機構約三十九個。
主條目:夢幻樂園 (聖巴巴拉縣)
傑克森於1988年開始住在位於加利福尼亞州聖巴巴拉郡的夢幻莊園(Neverland Valley Ranch)裡,這是依據童話《小飛俠》中的神奇王國命名的樂園,方圓2600英畝。2003年12月,他說在被警察搜查後,那裡已沒有了家的感覺,後來只不時回去看看。他後來住在加州貝弗利山莊一座月租7萬美元的房子裡。2005年他回到了夢幻莊園出庭應訊[26]。2005年6月被證無罪後,他輾轉中東諸國,從巴林到阿曼[27]到阿聯[28],最後於2006年6月開始在愛爾蘭[29]的一個城堡生活並錄製新歌。2006年底回到美國,一直住在拉斯維加斯[30]。傑克森喜歡兒童和動物,和包括從殘疾兒童到童星的許多小孩保持著友好的關係,他認為他們不像成年人那麼複雜,不會經常對他作出負面判斷。他曾邀請許多兒童到他的莊園玩耍,也曾為孩子們舉辦了很多有趣的活動,也包括許多慈善捐款。
傑克森的名人朋友包括:昆西·瓊斯、黛安娜·羅絲、瑞克·詹姆斯、亞瑟小子、馬龍·白蘭度、X JAPAN的團長YOSHIKI[31]、喜劇明星史蒂夫·哈維、克里斯·塔克、女演員伊莉莎白·泰勒及曾經的童星埃曼紐·劉易斯和麥考利·克金。泰勒和麥考利克金還是傑克森的孩子普里茲·麥可和帕里斯的教母教父。他的朋友還包括魔術師烏力·傑勒、及與他共同成立「治癒世界」和「救治兒童」基金會的慈善活動家、猶太教教士波迪治。麥可也是萊諾李奇繼女尼科爾·李奇的教父。
1994年,傑克森和貓王的女兒:麗莎·瑪莉·普里斯萊(Lisa Marie Presley)結婚。這段婚姻持續了不到兩年,最終以離婚告終。
傑克森擁有新力唱片ATV[35]的50%的音樂版權,包括披頭四樂團、利特爾·理察、貓王等歌手。2005年5月,他被牽連到此類版權問題的官司中。同時,傑克森還擁有Mijac唱片公司,並擁有他自己所有歌曲的版權。
傑克森曾錄製了一支慈善單曲《What More Can I Give》,邀請了超過35位藝人一起演唱,目的是為九一一恐怖襲擊事件籌集捐款。但由於傑克森與新力音樂之間產生爭執,這首歌從來沒有發行過。新力方面宣稱原因是該曲的執行製作人馬克·斯查菲爾(Marc Schaffel)曾經是同性戀色情電影導演,因此他們不願在公眾眼中將他與傑克森聯繫起來。
2002年10月,美洲銀行證實其在該行的貸款金額高達2.725億美元。同月,演唱會籌辦商馬塞爾·埃夫拉姆於加州聖瑪麗亞地區法院起訴傑克森,說他食言沒有參加多場演唱會,包括1999年12月31日晚到2000年1月1日的跨國際日期變更線舉辦的千禧年演唱會。傑克森敗訴。
2003年4月,影片《麥可·傑克遜的私人家庭電影》播出,片中表現出傑克森與孩子們的天真無瑕的關係。[36]
傑克森還與他的前金融顧問——韓國聯合金融與投資公司有瓜葛,聲稱傑克森由於面臨破產問題而拖欠公司1200萬的工資和開支。
傑克森的衣服右臂常有個臂環,據本人表示是為了紀念世界各地的孩童。
傑克森曾於1987年造訪香港,並在TVB攝影棚會見當時無線電視多名藝人,並穿上龍袍、將軍服飾留影[37][38]。
麥可傑克森曾三度訪問台灣,第一次來到台灣,是1993年8月21日晚間,為了和曼谷媒體記者捉迷藏,提前一天悄悄搭乘華航CI003班機過境桃園中正機場轉機。後兩次是1993年9月4日、6日的「危險之旅」亞洲第三站的台北演唱會,以及1996年10月18、20、22日舉辦的「歷史之旅」台北、高雄演唱會。在高雄期間曾赴「無障礙之家」探視,親手贈送一百五十份玩具給在場的智障、殘障兒童。[39]
1987年,傑克森在香港度假期間,以一名普通人身份前往中國旅遊,來到廣東中山市,並與當地小朋友合影,成為他人生中唯一一次的中國大陸行。[40]
喬傑克森日(Joe Jackson Day)是慶祝麥可爸爸的生日。
在莊園中,麥可常被小孩子推下水,多半是被推到一半後,自己下去。
[編輯] 身體狀況
美聯社在2009年10月1號獲得麥可驗屍報告的副本,麥可並沒有如媒體所說的骨瘦如柴,相反的,他的身體是相當的健康的,以下是驗屍報告的大概內容
他紋了眼線和眉毛,嘴唇周圍紋了粉紅色。頭皮前部有暗色的紋身。
他正在禿頂,而且有白癜風,這種疾病會減少黑色素並且在皮膚上留下白斑。
在低位脊椎和一些手指上有可見的關節炎。
他身體上有許多疤痕,包括耳後,一邊肩膀,脖子下部,和肚臍附近。
他的心臟很強勁,可是肺部有炎症。其他器官正常。
在麥可體內發現了異丙酚和四種其他的鎮定劑、止痛藥利卡多因還有一種復甦藥物。在他的胃裡並沒有可識別出的藥片。
並未發現非法藥物或者酒精。
死亡原因的基調被定為他殺,異丙酚在沒有任何必須的醫療設施的非醫院的狀況下被使用。
麥可在胸部有瘀傷,而且他的胸骨和一些肋骨折斷了,這是心肺復甦急救遺留下來的。
[編輯] 去世
主條目:麥可·傑克森的去世
2009年6月25日下午12:22(美西太平洋時間)美國洛杉磯消防隊911接獲通報,麥可傑克森在加州洛杉磯荷爾貝山租賃的住處陷入昏迷沒有呼吸。在通報消防隊前,傑克森的私人醫生康拉德.墨瑞(Conrad Murray)於傑克森家中,曾試圖急救但沒有成功[41]。消防隊急救人員於三分鐘後抵達,隨後給予心肺復甦術(CPR),並緊急送往洛杉磯加州大學(UCLA)附屬醫療中心急救,於下午1:14送抵醫院。院方在下午2:26宣告麥可傑克森死亡[5],終年50歲。
傑克森去世後,各大搜索引擎由於歌迷搜索量劇增,谷歌近乎癱瘓,圖為2009年6月25日谷歌美國的「Michael Jackson」搜索量統計洛杉磯警方對此事件高度重視,此案已移交給洛杉磯的法醫單位,因此沒有醫生簽屬死亡證明[41]。傑克森的屍體已經由直升機運送到洛杉磯博伊爾高地的驗屍官檢查所。 在傑克森死亡之前,他已安排好50場演唱會,演唱會宣傳期間,傑克森會做出退休聲明[42]。
主條目:麥可·傑克森的追思會
美國時間7月7日上午10時,傑克森的悼念儀式:「In Loving Memory of Michael Jackson King of Pop 1958-2009」追思會在洛杉磯斯台普斯中心舉行,當天有大量演藝明星及超過2萬名觀眾參加,全球觀賞人數共超過31億[43][44]。這場告別式號稱是暨洛杉磯奧運會後洛杉磯市舉辦最大的公眾活動。
[編輯] 他殺
2009年8月25日,法醫判定麥可之死為他殺。
麥可傑克森葬禮本於2009年8月29日其五十一嵗冥壽舉行,不過該喪禮日期後來改爲將於是年9月3日。
[編輯] 《金氏世界紀錄》
世界史上最暢銷的音樂專輯 — 《Thriller》(據《金氏世界記錄》的認證書上稱:該專輯已在全球賣出了超過1.04億張;排名第二的AC/DC《Back in Black》約為它的一半)
第一個在美國以外的地區賣出一億張專輯的藝人。
歷史上第一位在一年內賺進上億美金的藝術家,同時也是歷史上報酬最高的藝術家(在1989年僅僅從單曲和專輯的銷售上就淨賺了1.25億美元)
奪得美國單曲榜冠軍的最年輕的歌手(11歲,傑克森五人組樂團的主唱)
首位單曲第一周發行即奪得美國音樂榜冠軍的歌手(「You Are Not Alone」)
在美國排行榜上佔冠軍寶座時間最長的專輯(《Thriller》,37周)
最成功的音樂錄影帶(《Thriller》,銷量100萬套)
世界上慈善捐款金額累計最高的藝人(至2006年,個人的慈善公益捐款已經高達三億美元)
世界歷史上最成功的藝術家(《金氏世界記錄》特別為麥可歷年無數的偉大成就所頒發的金氏世界記錄認證)
[編輯] 各種榮譽
普遍被認為與貓王、披頭四並列為流行樂史上最偉大的歌手。
25歲起就開始打破了全球樂壇所有的音樂銷售和獲獎記錄。
30歲就獲得了「流行音樂之王」(King of Pop)這個偉大的頭銜。
在美國「告示牌Billboard雜誌」榜史上有13張冠軍單曲。
曾獲得16座「葛萊美獎」。
曾兩次得到諾貝爾和平獎提名。
西方國家1980年代至1990年代流行文化的象徵人物。
長年投入慈善事業,固定資助39個慈善機構(收錄在2000年出版的《金氏世界紀錄官方資料書》中),並被《星期日時報》稱為「慈善之王」。
美國音樂史上唯一一位連續4張錄音室專輯都在首周奪冠的藝人。
歷史上第一位也是唯一在美國「告示牌Billboard雜誌」榜上橫跨四個時代的冠軍藝人: 1961-1970, 1971-1980, 1981-1990,1991-2000,每個時代麥可都有冠軍曲。
第一個同時包攬「NARM音樂聖禮獎」的「最暢銷專輯獎」(《Thriller》)和「最暢銷單曲獎」(《Billie Jean》)的藝人。
第一位兩次留名「星光大道」的巨星(一次以Jackson 5樂團成員的身份,一次則以個人的名義)。
「MTV音樂頻道」和「滾石雜誌Rolling Stone」將他的四首歌曲:《Billie Jean》、傑克森5人組的《I Want You Back》、《Beat It》及《Rock with You》選入「有史以來最受歡迎的100首流行歌曲」。
罕見的兩度被引薦進入「搖滾名人堂」,也是搖滾名人堂最年輕的一位,第一次為39歲,第二次為43歲。
流行音樂史上最成功的非洲裔美國籍黑人歌手,也是世界上最成功的流行音樂歌手之一。
演唱會中昏倒的觀眾數量是史上最多的,平均每3分28秒就有1人昏倒。
個人創立數個大規模的慈善醫療機構,目前已曝光的有「治癒世界基金會」、「拯救兒童基金會」、「麥可傑克森燒傷中心」、「麥可傑克森愛滋病救助中心」、「麥可傑克森有色人種教育基金會」、「麥可傑克森華沙兒童醫院」、「麥可傑克森巴黎兒童醫院」、「麥可傑克森糖尿病患者基金會」。估計全球已有數千萬名孩童及青少年因麥可的善行及影響力,直接或間接的改善生活。
他的全球唱片銷售量、高難度的舞蹈動作、成功風靡全球的獨特造型、琳瑯滿目的獲獎紀錄、聲勢驚人的演唱會陣仗、慈善捐款的龐大金額、代表人類文化的傳奇性、稱霸全世界的超級巨星地位、以及他在救援世界兒童及反戰上的努力,都是地球上所有音樂人無法超越的里程碑。
「顫慄」《Thriller》音樂錄影帶,在2009年獲美國國會圖書館列入國家級館藏影片,成為最受矚目的音樂影片作品。
[編輯] 歷年成就
[編輯] 1970年代
1970年,年僅11歲,以一曲《I Want You Back》奪得了美國排行榜冠軍。
1972年,美國國會 U.S. Congress頒予「特殊貢獻楷模」。
1972年,「告示牌Billboard雜誌」最佳單曲、最佳單曲男藝人,成為其創榜以來最年輕的獲獎者。
1978年,首次發行個人專輯《Off the Wall》,一年內全球銷量超過1000萬張(目前銷量約2000萬張),在美國「告示牌Billboard雜誌」專輯榜中停留了184周之久,並產生了4首冠軍單曲。「滾石雜誌Rolling Stone」在樂評中稱讚這張專輯是現代音樂經典之作。
1979年,「告示牌Billboard雜誌」最佳黑色藝人、最佳黑人專輯。
1979年,「錢櫃雜誌Cashbox」最佳靈魂專輯。
[編輯] 1980年代
1980年,「第22屆葛萊美獎」最佳節奏藍調男歌手獎。
1980年,「第7屆全美音樂獎」最受歡迎靈魂/節奏藍調男藝人獎、最受歡迎專輯獎、最受歡迎單曲獎。
1981年,「第8屆全美音樂獎」最受歡迎靈魂/節奏藍調男藝人獎、最受歡迎專輯獎。
1982年,專輯《Thriller》發行(目前銷量約1億900萬張),產生了4首冠軍單曲,佔據美國音樂排行榜冠軍位置37周,並在專輯榜內停留長達122周之久,更是歷史上唯一連續兩年拿下年度冠軍的唱片。同時是史上第一張在英國和美國榜上同時奪冠的專輯,在「告示牌Billboard雜誌」榜上是有史以來第一位在流行、舞曲及黑人榜拿下專輯與單曲榜冠軍。此張專輯並獲得「滾石雜誌Rolling Stone」五顆星評價。
1982年,單曲《Billie Jean》的音樂錄影帶成為了首部在「MTV音樂頻道」播放的黑人歌手節目。
1983年,「滾石雜誌Rolling Stone」讀者與樂評票選年度藝人、年度錄影帶、年度靈魂藝人;讀者票選年度製作人;樂評票選年度男歌手。
1983年,「告示牌Billboard雜誌」榜上第一位同時間擁有14首十名內排行單曲的藝人,同時還破天荒的一次獲得了年度流行藝人、年度黑人藝人、年度流行專輯、年度流行專輯藝人、年度流行單曲藝人、年度流行男藝人專輯、年度流行男藝人單曲、年度黑人專輯藝人、年度黑人單曲藝人、年度黑人專輯、最佳舞曲藝人、最受歡迎單曲、最受歡迎專輯;並且在搖滾專輯榜、搖滾單曲榜、靈魂/節奏藍調專輯榜、靈魂/節奏藍調單曲榜、舞曲榜上同時奪冠。
1983年,單曲《Thriller》的音樂錄影帶在「MTV音樂頻道」放映時,創下超過1000萬戶收視率,為日後MTV主導流行音樂市場奠下基礎。
1983年,單曲《Thriller》的音樂錄影帶被譽為全世界「最偉大的音樂錄影帶」之一,並在音樂錄影帶的藝術性上「前進了一大步」。
1983年,專輯《Thriller》在美國被鑒定為27白金唱片;在英國也獲得11白金認證。
1984年,《健力氏世界記錄》世界史上最暢銷的專輯——《Thriller》。
1984年,《Victory World Tour》在堪撒斯城箭頭體育場舉行,3場演出共吸引了13.5萬人到場。
1984年,成為當時擁有鉆石專輯(1000萬銷量)的最年輕藝人(25歲)。
1984年,在白宮接受美國總統雷根頒發了「特殊成就獎」、「人道主義總統獎」(因《Beat It》一曲用在防治酒駕宣導影片上成效卓越)。
1984年,「第1屆MTV音樂錄影帶獎」歷年最佳錄影帶獎、最佳舞蹈設計獎、最佳人氣獎。
1984年,「第2屆全美音樂錄影帶獎」最佳長篇錄影帶獎、最佳家庭錄影帶獎。
1984年,「第3屆全英音樂獎」最佳英國專輯獎、最佳國際藝人獎。
1984年,「第11屆全美音樂獎」特殊貢獻獎、最受歡迎流行/搖滾男歌手獎、最受歡迎流行/搖滾專輯獎、最受歡迎流行/搖滾單曲獎、最受歡迎流行/搖滾音樂錄影帶獎、最受歡迎靈魂/節奏藍調男藝人獎、最受歡迎靈魂/節奏藍調音樂錄影帶獎。
1984年,「第26屆葛萊美獎」最佳搖滾男歌手獎、最佳藍調男歌手獎、最佳藍調歌曲獎、最佳製作人獎、最佳流行男歌手獎、最佳年度專輯獎、最佳年度唱片獎、最佳兒童音樂專輯獎。今晚的頒獎晚會被稱為「Michael Jackson之夜」,共計有超過6500萬人收看,創下了「葛萊美獎」現場直播的最高收視率。
1984年,「有色人種民權促進協會」(NAACP Image Awards H. Claude Hodson)克勞德哈德森自由勳章。
1985年,「第27屆葛萊美獎」最佳音樂錄影帶獎。
1985年,單曲《四海一家》(We Are the World),召集了45位著名歌手所共同演唱。在美國成為史上銷售最快的單曲(3天內賣出80萬)最後狂銷700萬張,也成為史上第二最佳銷量單曲,並募款達到六千三百萬美金。
1986年,「第28屆葛萊美獎」年度歌曲獎、年度唱片獎、最佳流行二重唱或團體獎、最佳短篇音樂錄影帶獎。
1987年,專輯《BAD》發行(目前銷量約3000萬張),產生了5首冠軍單曲,同時也創下「告示牌Billboard雜誌」榜上「擁有最多冠軍曲的單張專輯」的記錄,並且又破紀錄的在全球在25個國家內登上了排行榜冠軍寶座。
1987年,開始為期16個月的《Bad World Tour》。在全球4大洲的15個國家舉行共123場演唱會,吸引了約440萬人到場觀看。使其成為史上最大規模的巡演,它也是史上獲利最豐的巡演,共收入1.25億美元。
1988年,「音樂錄影帶先鋒獎」音樂錄影帶傑出貢獻獎。
1988年,《Bad World Tour》是英國史上最大規模的巡演,吸引了超過80萬人到場觀看,創下收入高達1300多萬英鎊的紀錄。
1988年,由倫敦溫布利大體育場頒發特別榮譽,表彰麥可在此創下的新記錄,7場售票演出共吸引了504,000人觀看。
1988年,在利物浦Aintree賽馬場的演唱會共吸引了125,000人前來觀看,創下了該體育場最多觀眾人數記錄。
1988年,有色人種聯合大學基金會授與「Fisk大學人道文學博士榮譽學位」、「Frederick D. Patterson獎」。
1988年,「第15屆全美音樂獎」最受歡迎靈魂/節奏藍調單曲獎。
1988年,「第7屆全英音樂獎」最佳國際藝人獎。
1988年,「第2屆靈魂列車音樂獎」年度最佳節奏藍調專輯獎、年度最佳男藝人單曲獎。
1988年,「告示牌Billboard雜誌」最佳黑人藝人。
1989年,「MTV音樂頻道」十年先鋒音樂錄影帶藝人獎。
1989年,「第16屆全美音樂獎」特殊成就獎。
1989年,「第6屆MTV音樂錄影帶獎」錄影帶先鋒獎-世界史上最偉大的錄影帶。
1989年,「滾石雜誌Rolling Stone」十年來最佳錄影帶。
1989年,「世界音樂獎」名人殿堂、錄影帶終生成就獎、最受歡迎錄影帶獎。
1989年,「第21屆有色人種民權促進協會」最佳男藝人獎、年度最佳專輯獎、李奧納多.卡特人道主義獎。
1989年,「第8屆全英音樂獎」最佳國際藝人獎、最佳音樂錄影帶獎、最佳國際男藝人獎。
1989年,「告示牌Billboard雜誌」年度冠軍黑人藝人、年度流行/節奏藍調冠軍專輯。
[編輯] 1990年代
1990年,「第32屆葛萊美獎」最佳短篇音樂錄影帶獎。
1990年,「全美影業基金會」十年最佳藝人。
1990年,「第4屆靈魂列車音樂獎」十年最佳藝人獎。
1990年,「哥倫比亞唱片公司」評為當代最偉大的藝人。
1990年,美國總統老布希在白宮頒發「十年最佳藝人獎」。
1991年,專輯《Dangerous》發行(目前銷量約3000萬張),成為英美史上銷售速度最快的專輯:在美國公開發售後的37天內便賣出了1400萬張,同時在英國3天內就賣出了超過20萬張。
1991年,單曲《Black Or White》是迄今為止被播放次數最多的音樂錄影帶,耗資超過400萬美元,首次廣泛的運用電腦特效製作出人臉變形技術。
1991年,與SONY唱片簽約,擁有其50%的音樂版權(包括披頭四樂團、貓王等歌手),合約價值9.1億美金,每製作一張專輯資助2300萬美金,專為他成立一個「傑克森娛樂中心」,做為統合他一切音樂、電影、電視的指揮總部,外加年薪1000萬美金。麥可此時身價已高達30億美金。
1991年,《Dangerous》專輯成為史上銷售最快的專輯:公開發售37天內便賣出了1400萬張。
1992年,「NABOB」終生成就獎。
1992年,《Dangerous World Tour》羅馬尼亞布加勒斯特演唱會在全球61個國家的電臺和電視上現場直播,共吸引了全球大約2.5億的觀眾收看。
1992年,《Dangerous World Tour》羅馬尼亞布加勒斯特演唱會的現場直播節目,獲得「Cable Ace Awards」的大獎。
1992年,HBO支付給《Dangerous World Tour》羅馬尼亞布加勒斯特演唱會的全球直播費達2000萬,創下有線電視網路電視轉播費用的最高價。
1992年,《Dangerous World Tour》全球演唱會共計六十九場,觀眾超過三百五十萬。總收入達到一億美金,麥可將之全部投入慈善事業。
1992年,專輯《Dangerous》累計賣出2200萬張,成為當年全球最暢銷的唱片,專輯中另外發表的9首單曲也達到了1700萬張的銷量。
1993年,《金氏世界紀錄》終生成就獎。
1993年,「第6屆世界音樂獎」本世紀全球最暢銷藝人、全球最暢銷流行藝人、全美最暢銷藝人。
1993年,「第20屆全美音樂獎」最受歡迎流行/搖滾專輯、最受歡迎靈魂/節奏藍調單曲、特殊國際藝人獎。
1993年,「第7屆靈魂列車音樂獎」年度人道主義獎、最佳節奏藍調專輯、最佳節奏藍調單曲。
1993年,「有色人種民權促進協會」年度人道主義獎、傑出音樂錄影帶獎、25週年紀念年度藝人獎。
1993年,在「27屆美式足球超級盃橄欖球聯賽」開幕式進行個人表演(由NBC直播),聯合發起「拯救洛杉磯」慈善運動,共吸引了1.334億美國觀眾收視,在全球80個國家吸引了15億觀眾收視。
1993年,《Dangerous World Tour》成為墨西哥歷史上最大規模的巡演,5場演出共吸引了50萬人觀看,共收入1200萬美元。
1993年,「第35屆葛萊美獎」當代傳奇獎。
1995年,專輯《HIStory》發行(目前銷量約1800萬張),產生了2首冠軍單曲。
1995年,在好萊塢Tower唱片行頂樓豎立高達9.1公尺的麥可雕像。
1995年,「第12屆MTV錄影帶獎」最佳舞曲音樂錄影帶獎、最佳舞蹈獎、最佳美術指導獎。
1996年,「第38屆葛萊美獎」最佳短篇音樂錄影帶獎。
1996年,「第8屆世界音樂獎」歷年最暢銷專輯、最佳流行男歌手、最佳節奏藍調藝人、最佳唱片男歌手、最佳美國男歌手,從而成為該獎項歷史上單年度獲獎最多的藝人。
1996年,網路上與麥可有關的網站高達6000個,比第二名美國柯林頓總統還多500個。
1997年,在芬蘭赫爾辛基,5萬張票在5個小時內售完,創下芬蘭歷史記錄。
1997年,《HIStory World Tour》成為德國歷史上規模最大的巡演,共有超過65萬的觀眾到場觀看。
1998年,在「告示牌Billboard雜誌」慶祝創榜40周年的選舉中奪得「擁有最多熱門曲目的男性藝人」的桂冠。
[編輯] 21世紀
2002年,在柏林獲得「2002年德國千年Bambi獎」,以承認他是世界「最偉大的流行歌手」的地位。
2003年,「告示牌Billboard雜誌」TOP 10單曲總數(包括Jackson 5時期)已累積達48支。
2009年,麥可傑克森宣布將舉辦50場《This Is It》告別公演。100萬張門票在開售後4個半小時內就搶購一空,創下流行音樂史上最高紀錄。
2009年3月12日,倫敦謝幕演出正式開始預售五個小時後,《The Essential Michael Jackson》(世紀典藏)精選輯的銷量增加了2377%,從8001位直接跳升至323位。《Thriller 25th Annivrsary Edition》(顫慄25周年紀念專輯)則銷量猛漲了411%,排名第171。《Number Ones》(獨一無二)精選輯增漲了384%,而《Off the Wall》(牆外)專輯增漲了260%。
[編輯] 作品
[編輯] 音樂作品
主條目:麥可·傑克遜專輯列表和麥可·傑克遜單曲列表
[編輯] 原創專輯
1972/01/24:Got to Be There
1972/08/04:Ben
1973/05/13:Music & Me
1975/01/16:Forever, Michael
1979/08/10:Off the Wall
1982/11/30:Thriller
1987/08/31:Bad
1991/11/30:Dangerous
1995/06/16:HIStory: Past, Present and Future, Book I
1997/05/11:Blood on the Dance Floor: History in the Mix
2001/10/30:Invincible
[編輯] 精選輯
2001年11月:Michael Jackson Greatest Hits HIStory Volume I
2004年11月:Michael Jackson: The Ultimate Collection
2005年6月:Essential Michael Jackson
2008年2月:Michael Jackson 25th Anniversary of Thriller
2008年8月26日:King of Pop
傑克森在日本的演唱會為亞洲最多場次的國家,分別於1973年(5場)、1987年(14場)、1988年(9場)、1992年(8場)、1993年(2場)、1996年(6場)。並分別於2006年2007年兩度造訪日本。2007年3月3日造訪領取日本MTV大賞為生涯最後一次亞洲之旅。
亞洲第一站是9月12日的東京開始。總計共有15國123場,440萬聽眾參與。
全球總計共69場次,350萬聽眾。參與演唱會的人數則有235人,80台攝影機全程錄影。本巡迴超過一億美金的總收入全捐予慈善機構「治癒世界基金會」。 在羅馬尼亞布加勒斯特的演出則為HBO創下有線電視史上最高收視紀錄,麥可因此獲得有線電視傑出獎。 Dangerous Tour最後階段因惡意指控,造成麥可必須服用止痛藥來紓解壓力,使他進入康復中心來戒除藥癮。
為1993年的第3站。
總計共35國58個都市82場次,450萬聽眾。動用整架包機抵達世界各地。
1978年:The Wiz 《新綠野仙蹤》
扮演稻草人。
1986年:Captain EO 《EO船長》
扮演EO船長。迪士尼樂園3D電影。
1988年:Moonwalker 《月球漫步》
扮演自己。
1997年:Ghosts 《鬼怪》/《鬼府神宮》
分飾以下角色:莊園主人/市長/鬼怪市長/鬼王/骷髏。
2002年:Men in Black II 《MIB星際戰警2》
扮演特工M。
2004年:Miss Cast Away and the Island Girls 《漂流女孩與荒島姑娘》
扮演自己。
2009年:Michael Jackson's This Is It 《麥可·傑克遜:就是這樣》
演唱會電影;台譯未來的未來。[48]
[編輯] 參與電玩
外星戰將 街機、世嘉Mega Drive遊戲
太空頻道5 Dreamcast遊戲
太空頻道5 2代 為Dreamcast和PlayStation 2設計的跳舞遊戲
冠軍爭霸賽 第2回合 Ready 2 Rumble Boxing, Round 2 是為世嘉第七代128位元Dreamcast家庭機和PlayStation 2設計的格鬥遊戲,傑克森在其中作為隱藏角色出現。
未命名的遊戲 這個遊戲將發行在PlayStation 3、PlayStation 2上。這個電子遊戲將配有 Michael Jackson 的音樂、舞蹈和音樂錄影,可以讓全家人一起來玩。將於2009年聖誕節前推出。 New Michael Jackson game coming Wiki
[編輯] 個人專利
美國專利號5255452, 由傑克森申請,在《Smooth Criminal》中使用。45度前傾專利:傑克遜於1993年10月26號獲得此動作的專利權,專利名為「製作反重力錯覺的方法和手段」(Method and means for creating anti-gravity illusion),詳細分析、專利頁面(en)。
[編輯] 為其他歌手或組合提供之歌曲
[編輯] 日本
[編輯] J-FRIENDS
1.Children's Holiday (1998年1月21日發售)
擔任此歌的製作人,由日本作詞家松井五郎翻譯成日文版本。
2.People Of the World (1999年1月13日發售)
擔任此歌的製作人,由日本作詞家秋元康翻譯成日文版本。
[編輯] 美國
[編輯] Sa-Fire (Wilma Cosme)
1.I Never Heard (1990年發售)
與Paul Anka共同擔任此歌的作詞
http://zh.wikipedia.org/wiki/%E8%BF%88%E5%85%8B%E5%B0%94%C2%B7%E6%9D%B0%E5%85%8B%E9%80%8A
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臺灣KTV點歌排行榜一半都是大陸歌,線民:時代真的不一樣了
中時新聞網2022-11-02報導,近日一則“KTV點歌排行榜一半是大陸歌曲”的帖子引發台線民熱議。線民發現臺灣如今的KTV點歌排行榜上,前10名有一半都是大陸歌曲,而且蔡依林、張惠妹等樂壇天后全都消失。許多PTT線民感慨“時代不一樣了”“這是跑不掉的趨勢”,也有人稱這是“抖音效應”“臺灣音樂已經被版權商搞死了”。
回應
大陸人也在聽港臺的歌,現在的內娛還能有歌?
港臺樂壇現在還有什麼新歌嗎?聽來聽去都是那幾首情懷和經典,有新歌也很少吧。我就不說歌了,就說曲,BGM什麼的那些,都免費聽的,隨隨便便暴打那些所謂港臺樂壇的播放量,更何況現在大陸網路作曲作詞的和網路歌手多如牛毛,他們也會做MV,哪個不比港澳的好看好聽?國風歌曲每天都有新歌,多如牛毛。我還沒說到遊戲呢?國產遊戲和動漫裡的那就更離譜了,比較大的IP,一個遊戲裡面就一個專輯。
現在模式已經完全變了,以前都是發專輯,火了拍MV,但是現在生態都變了,歌曲已經大部分是單曲發行,通過網路短視頻平臺進行傳播,未來可能會有有30秒的歌曲,因為現在很多歌曲大家都只聽高潮部分。
昨晚我看了羅大佑的線上演唱會 2022-05-28
朋友圈裡有幾個朋友邊看邊感慨“爺青回”,可我的感受卻是“爺青死”。
我從10歲起就從未間斷過,1995年我13歲那年,買了一盤羅大佑的《戀曲2000》的磁帶,從此成為了羅大佑的鐵杆歌迷。
我對羅大佑的熱度,從他出版了《昨日遺書》、《美麗島》之後,便自然而然降了下來——沒有為什麼,就是感覺配方和味道不對了。到了縱貫線時期,更是對他完全沒了關注。
直到昨晚,才線上上演唱會見到了久違的羅大佑,當看到頭髮灰白的羅大佑唱起那些熟悉的旋律時固然有些感動,但更多的是傷感——那個曾經無所畏懼的搖滾鬥士羅大佑,沒唱《鹿港小鎮》,《之乎者也》,《亞細亞的孤兒》,《告別的年代》,甚至都沒唱膾炙人口的《東方之珠》……但凡稍微有那麼一點兒隱喻色彩的歌,他都沒敢唱。《愛人同志》雖然唱了,卻是殘缺不全。
我沒法兒對他要求太多,只好假裝這是巧合……畢竟六十多歲的人了,還在那麼賣力唱歌就已經不容易了。羅大佑自己肯定也覺得,如今想要寫歌和唱歌,變得越來越難了。
曾經有一個時代,人們可以用歌唱追求自由、反思社會、針砭時弊、探討人性,那才是我們的青春。
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作者對羅的瞭解相當貧乏。馬世芳有非常精到的分析:青色時期、黑色時期、黃色時期。青色時期:70年代,那是臺灣民謠時期,也是本土音樂開始自覺期。這時的歌手以鄧麗君、劉文正為代表,還有大量其他的民謠歌。因處於戒嚴時期,歌曲浮漂無力,根本無法反應現實人們的思想苦悶,所以最終走向消亡。黑色時期:80年代,標誌性的事件就是《之乎者也》的出現。這時的羅是批判性最強的時期。黃色時期: 90年代。因為此前羅去了美國學習,對自身身份的思考就從兩岸對立中跳了出來,認識到中華民族的共同體。因此這一時期他從傳統文化入手,寫了許多表現中國人的身份意識歌曲。比如《東方之珠》,此外《追夢人》、《滾滾紅塵》、《戀曲1990》、《海上花》、《船歌》等等,無不彌漫濃烈的最中國的人文氣息,比後來所謂的“中國風”更中國。羅已60多了,他有了家,有了女兒,男人此時都會溫柔起來,會以一種不同的眼光來看待世界,當然他也過了創作的黃金時代。
時代變了,流行就變:以前喜歡針砭時弊,現在喜歡優美動聽;以前喜歡舔美舔日,現在流行中國風
為什麼火起來的歌曲,大都不是科班出身的人寫的? 2022-08-08
事實上科班生和野路子兩個群體搞的音樂,二者天差地別,完全就是兩個東西。
藝考小三門,指的是樂理、視唱、練耳。
作曲四大件,指的是和聲、曲式、複調、配器。
想要成功入讀音樂專業,中國考生的必經之路就是砸錢學。集訓,專業一對一,院系教授四位數的四十分鐘小課。
每一個學作曲的學生,在冗長的幾年裡都會被要求寫出很多“不好聽”的編制出來,而這些編制通常無法賣錢。
對於科班生來說真正有價值的,是長年累月沉浸在專業氛圍裡學的東西。比如技法熟練度,更可怕的是,外行人看不懂聽不懂的東西,他們居然樂在其中。
每一個作曲生心中都有一塊極樂淨土,所有被視為”拘泥“的規則對他們來說從來不是限制,而是作曲大家們留下的精粹,是讓音樂更加理性化的真誠告誡。
說完這些,相信你也大概懂了為什麼科班出身的人很少會進軍商業音樂領域了。
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學院派脫離生活,情感被學歷封印了。