2019.11.01

久違的Akram，令人驚豔!!! 很喜歡這個作品，雖有些沈重。。。

自2010年的Gnosis到現在，超過九年了，昨天的XENOS，完完全全地顛覆了Akram在我心中的影像、印象。深深地被他舞蹈身體不斷地蛻變、創作一直在進化這兩件事所感動..........仍像是舞蹈界的僧侶(對舞蹈創作的那股毅力與精神)。

晚上7:30進場前，吟唱者與鼓者就已在舞台上，以吟唱與鼓聲迎接每位入場的觀眾。舞台上的完美裝置藝術與每幕場景、獨奏與合鳴的東西方樂器、敘事氛圍的燈光設計，帶領觀眾從今穿越古、再從古回到今 ~ XENOS完全就是一部電影規格的製作，真的是將劇場藝術推到最高點，且還是LIVE演出 !! 

掠人目光的魅力來自「創作」本身！

結合鼓聲、吟唱，是Akram作品中必存在的要素，音樂曲目是長期配合，有20年以上現代舞作曲經驗的Vincenzo Lamagna。我非常喜歡Vincenzo Lamagna的作曲，原以為整場會是東方鼓聲+吟唱，沒想到中間加入西方小提琴、低音大提琴、薩克斯風，以看似不太搭、反差大的前後曲風設計來表達舞者在每一時空旅程、轉換的不同身分時的情感轉折.....當然最重要的一項重樂器則是來自Akram本人。

一般舞者以舞蹈身體來表達作品情感、故事，但對Akram來說這還不夠，他的身也是一項樂器，隨時隨地可以彈奏。所以每每在看他在無伴奏下的純獨舞時，也是一種享受，在身體節奏旋律中感受作品的起、承、轉、合與情緒。

任何一場演出，大家常會忽略的最重要一位舞者 ===== >   燈光 ! 

是的，燈光是表演中不可缺少，也不得、無法缺席的舞者。Michael Hulls

的燈光設計不僅更展現Akram舞蹈身體的獨特性，也讓人感受到整部作品的個性、溫度與完美。看了這部作品後，就會知道為什麼舞蹈界會頒發舞蹈設計獎給Michael Hulls了。

有好的編劇構思、有超強的美術、布景、舞台裝置、音樂人現場演奏、歌手及舞者，即便這些都能一一各自獨立演出，但一旦在舞台上，若少了燈光設計在中穿針引線，作品不僅無法完美地達到起承轉合，散發出的力道也會如小石子打水漂般，會泛起漣漪，卻無法造成漩渦...........優質的燈光設計者，不是只會打燈光、操控設備、或只接受指定，而是要能傳遞編舞者、導演的核心思想，也需要具備說故事、 展現情節、表達演出者情緒與內在能量及呈現出整體作品的美視學能力。

這一兩年常聽到人們談及美學這件事，總覺得，跟風者居多，畢竟這跟天份與敏感度有關，不易培養......。

一個作品的創作過程，不只有編舞者、劇作家、導演要有絕對的「構思想像力」，所有的幕後團隊、表演者、合作夥伴也要有想像力、要對創作過程有所回饋，不是『各做各的』或流於只會聽令的程度，只要有一環節不是「真心對待」，演出絕對是扣分的。Akram的夥伴雖都是長期合作，相信他們除了提供100%的專業能力之外，也在每一部作品創作過程中100%的投入，一次次地合作中激發出不同層次火花、互相給予對方最專業回饋，跨界合作的最重要意義就在於此。一場令人驚豔的演出、完美的作品，絕不是靠默契、慣性就可以成就的。

最後一幕，瓦礫從上不斷落下 .......

走出劇院後，思索著，我們真的夠了解自己嗎? 在每個階段生旅程中，看過那麼多人、遇到過那麼多事、科技的進化讓我們更進一步了解世界的醜陋與美麗，人心的貪慾、自私、良善、包容.........我們對這世界的回饋又是什麼呢?

因為醜陋  所以隱藏

因為醜陋  所以蒙眼

因為醜陋  所以遠離

因為醜陋  所以無視

因為醜陋  所以.......

無視自身醜陋的一面，對醜陋無感，我們已像那瓦礫，正持續墜落。。。

如果對醜陋無感，無法曲膝、謙卑，又如何追求美麗與完美呢?

◆DJ軌跡

2010阿喀郎‧汗 之酷男之舞《Gnosis》與 日本「鼓童」Yoshie

舞作源自印度神話的傳統卡達克舞，故事取材則自印度史詩《摩訶婆羅達》(Mahabharata)裡甘陀麗皇后(Gandhari)的故事，藉由這位為了追隨失明丈夫而終生蒙眼的皇后，來闡述內在知識與蒙昧視界的觀念，猶如「看見了黑暗，卻又無視於光亮」。

2007度複數 - Zero Degrees 

Akram與摩洛哥裔比利時編舞家西迪拉比 (Sidi Larbi)合作長篇舞作「零度複數 (zero degrees)」。傳達一個旅程的起點的想法，探索人類由生到死的歷程。

2007迷失之影 - Akram為雲門舞者編創 

描述一場車禍，一位女教授在開車到電視台錄影途中，撞死了一名女子。 這是來自雲門舞者自身的故事取材，結合電影時序交錯與故事性的劇情，從生死觀的角度，關心酒駕，自殺等現今社會議題。

 * 2013 DESH , DJ不在台灣，無緣觀賞 ~ 有些遺憾啊 >>>

 < 以下摘自相關網頁 >

▓採訪Akram篇

◆In my work, I need a character I can relate to – but also a character who can relate to me. So we decided that this colonial soldier was a dancer who is thrown into the trenches somewhere in Europe. Most of the piece takes place in a 
trench, at least in an abstract sense.

I worked with my dramaturg, Ruth Little, and a writer, Jordan Tannahill. Jordan said the more 
text you can get rid of the better. In Asian culture, our meanings are in our actions not our words. British theatre is predominantly text-driven, though it’s changing a lot now.

Ruth, Jordan and I agreed that the action of the story had to be told by the body not by the 
word.

The designer Mirella Weingarten was amazing to work with. She created hell for me and 
she was absolutely happy to do that. She said: “You need to struggle with the elements.
” I said, I’m struggling with the biggest element: my age! I’m fighting time.

On Xenos, I’m working again with Michael Hulls. He is the god of lighting for dance.
 He created a unique aesthetic for dance.

When I discuss the work with Michael, I talk more about the lights and he talks more about the dance. In the end, I’d say he uses 1% of what I talk about in lighting and I use 1% of what he 
talks about in dance.

Xenos is my last full-length solo. I wanted to go back to classical dance, which is where I started. 
Indian musicians sing while the audience comes in, and the opening scene is a mini classical 
concert.

Each piece I create is a threeyear process. The first year is really about having an idea and 
inviting collaborators. The second year is about meeting up regularly, talking about the subject 
and collecting a lot of images, poetry, text and historical facts.

The third year is all about the movement. We spend two to four months in the studio and 
a few weeks in a theatre. This time, we spent six weeks on stagefirst at the Grange in Hampshire and then in  Athens.

We premiered Xenos in Athens in February. The show continues to change, but this
transformation now happens on the stage rather than in the studio.

Before going on stage I usually spend two and a half hours in my dressing room. I meditate, 
which for me is sleeping, basically. It’s to silence my head and still my body. Then I warm up in a specific way, which is meditation. Ten minutes before the show starts, I go through a ritual of
 thinking: what can I say to cancel the performance? I am terrified. But once I’m on stage I’m 
fine. It’s about getting from the dressing room to the stage –I have a whole Greek drama going on  in my head during that walk.

By the end of Xenos, clay is all over my body and earth lies across the stage. This last scene is 
about rebirth. This capitalist way of living is going to finish. This way of extracting from the Earth and not giving back? It will be the end of us. As a civilisation, as a species, we have to live in a
 new way.

(https://www.theguardian.com/stage/2018/mar/29/akram-khan-xenos-in-pictures)

◆Women have had a profound influence on Akram Khan. His daughter, and the way in which being the
 father of a girl has helped shift his worldview, get recurring mentions in our conversation. ‘Since I had a daughter I’ve become very pro-active about equality between women and men.’

But it all started with Akram’s Mother. ‘My Mother is a feminist. She’s fought for women’s rights in Bangladesh. She’s an interesting feminist, because she’s about equality.’

Then there are the two strong women with whom he worked on his extraordinary adaptation of the ballet Giselle for English National Ballet: Artistic Director Tamara Rojo – ‘she has Spanish blood!’ – and Lead Principal Dancer Alina Cojucaru: ‘She’s very interesting, because it feels like you could break her by blowing, she’s so fragile, so sensitive; but there’s a core power there.’

He mentions, too, his Japanese wife, Yuko. His conclusion, ‘I’m surrounded by strong women.’

And that’s one of the reasons why he shifted the emphasis of the story that inspired Until the Lions to 
focus on the character of the woman Amba, no longer just a victim, but possessed of power and agency.

‘I wanted to show the story from a female perspective, from Amba’s perspective; but this was written by a man, so the female is wrong, just as [in the Bible] Magdalene is wrong, just as Eve is wrong, and society punishes female characters for wanting justice…’

Akram Khan’s Until the Lions is taken from the poet Karthika Naïr’s book Until The Lions: Echoes from the Mahabharata, which is a reworking of the ancient Sanskrit epic. Simply put, it tells of the rivalry between two great families: the warrior Bheeshma (Khan) abducts the princess Amba thus rendering her unmarriageable. Amba vows vengeance, kills herself, and is reborn as Shikhandi, who magically changes gender in order to kill Bheeshma in battle.

The Mahabharata is important to Akram Kahn for various reasons. First of all, because born in the UK
into a Bangladeshi family his cultural roots connect with South Asia; as a dancer he trained in the Indian classical form Kathak, as well as in Western contemporary dance, languages which throughout his career he has been able to blend into a harmonious whole.

Beyond that, though, The Mahabharata was a determining factor in his development as a man and an 
artist, because as a 13-year-old he was part of the cast of director Peter Brook’s seminal 1980s theatre production of The Mahabharata.

‘It shaped my thinking, it carved a lot of my thinking [working] with Peter Brook. I mean, I was 13, I was not formed yet with my choices (…) and being immersed with those godfathers and godmothers of theatre – those actors and actresses were amazing! giants! and not just from the West, from Africa, India, Poland… it shaped the way I think today, and so, it’s always a great privilege to go back to The Mahabharata.’

And we’re back to Akram Khan’s fascination with women, their strength and their complexity.

‘When [the poet] Karthika [Naïr] proposed this collection of poems based on female characters of 
The Mahabarata, I thought, finally I get to work with the stories of female characters! because [in Peter Brook's production] the women were older than me, I was a little boy, and when I was on tour I was treated like a cub (he laughs heartily at the memory)

‘(…) So, I started to talk to them, I listened to their gossip, I started to realise they’re far more complex 
than men are. With women, the characters they were playing were far more fascinating, because there’s not just an external tension, negotiation between society and the character, the person, but also internal multiple negotiations happening between being a mother, but at the same time knowing that your own child is going to destroy the clan.’

Although he won’t perform in Until the Lions beyond the forthcoming run he's in his 40s now, and gradually retiring from dancing in full length works – he is still dancing in XENOS, his one-man tour de force account of the impact of World War I on an Indian soldier, which will be touring until 2020. It is, he says, his challenge to ‘the white man’s narrative of history,’ which, because of its glaring
 omissions, becomes ‘a lie.’

Talking with Akram Khan provides a patchwork of restless thoughts about contemporary life and the
 challenges posed by climate change, new technologies, misuse of resources, mass migration, in what
 he describes as ‘a disturbing and frightening moment.’

Surely, we suggest, that provides fertile material for an artist?

‘Yeah, I have no choice. There’s a difference between art and entertainment, and entertainment has no 
less value than art. Entertainment is for you to escape, to forget your reality, art is to show you your 
reality as it is'

(https://www.culturewhisper.com/r/dance/akram_khan_interview/12901;Teresa Guerreiro)

◆XENOS















Artistic Director/Choreographer/Performer Akram Khan
Dramaturg Ruth Little
Lighting Designer Michael Hulls
Original Music Score and Sound Design Vincenzo Lamagna
Set Designer Mirella Weingarten
Costume Designer Kimie Nakano
Writer Jordan Tannahill
Rehearsal Directors Mavin Khoo and Nicola Monaco
Dancer Akram Khan
Musicians Nina Harries (double bass & vocals), B C Manjunath (percussions & konnakol), Tamar Osborn (baritone saxophone), Aditya Prakash (vocals), Clarice Rarity(violin)

◆作曲家分享創作Akram的吉賽爾，期待有機會可以來台灣演出 ~ ^0^

◆最近新作outwitting the Devil 彩排與演出花絮

** XENOS

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