在思索這個問題前，我想將兩件事說清楚：

一，讓你看了舒服的東西，它可能是藝術，但也可能不是藝術
二，藝術卻可能讓你看了舒服，也可能讓你看了不舒服

這兩件事很明顯的，拍得美的照片可能是一件藝術，但充其量只是一般的藝術，或曰庸俗的藝術。但拍得不美的，或說不符合你的美感經驗的，可能不是藝術，但也可能是藝術，而且是極其前衛的藝術。因為藝術的先決條件就是要創新，藝術品是留了下來，但藝術的腳步其實是在前進的，不要以為看了巴洛克的藝術畫作就以為現代藝術僅止於此。

因為一的陳述是如此容易被滿足，至少只要舒服就會讓一般人叫好，也因此導致平庸俗的藝術家──或稱技藝者──躲在一這個陳述中。美和藝術並不一定相等，醜的也可以是藝術，只要它吸收了之前藝術的邏輯，從內部改變它，這醜的，就是藝術，反而那美的就只是平庸的技藝。

攝影一出生時，也極力把自己打扮得像「美術」那樣，背景要單純，人要嚴肅，要有裝飾，其實現在一些攝影學會的外拍跟二百年前的拍法根本沒兩樣，這也是為什麼激進的影友經常對外拍大力批評的原因。因為那不是創作，只是模仿。

攝影到了二十世紀初，August Sander推翻了美術化的攝影美學，為攝影開出一條全新的革命道路。模特兒不再是把姿勢擺得美美的，背景也不像沙龍攝影那樣需要一大堆的矯飾，而是真實反映出那個人和他所在的社會環境。因此，攝影做到了繪畫所做不到的：攝影的快速記錄功能讓它能捕捉到真實的社會活動，而非隔離在沙龍或公園外拍的虛飾攝影中。這種拍攝手法在二十世紀初期還算是新的，但現在又已是舊手法了。Sander的拍攝或許是開啟街頭實況攝影的先驅。

在台灣的攝影界有很多學會，我看過一些奇怪的現象，攝影還有碩士博士等級的，然而打開照片一看，是很有技術，卻沒有藝術，有的連技術都還普普。攝影在30年前的西方世界早已出現拼貼和嚴重後製的作品了，然而台灣至今還很多所謂的前輩因影像數位化而大力批判後製。看看國外的攝影走到哪一步了：微距、數位影像合成、抽像色塊等等，都是較新的攝影手法。

攝影藝術的前進，不在於用了什麼構圖用了什麼三分法，也不在用了多少文字強灌內容給照片，而是它自身「做為一種看世界的邏輯發生了什麼轉變」。從兩百年前的肖像照到一百年前的Sander，變革的不是表面的構圖法則，而是觀看人的態度：前者把人視為一個有待美化的個體，要為他打扮矯飾；而後者則真實看待人，而且把他放到他生存的時空中看他。若你問我微距呢？抽像作品呢？我實在沒什麼定見，但我會說，那是一個原子化世界的必然結果，就像十二個半音從音調解放出來一樣（荀伯克的十二音列作曲技法），物體也被解構成單純的線條和色塊，我們這個時代的人不再需要整體，我們只需要原子。

PS：這篇文章是延續之前那篇讀班雅明而寫的，對攝影美學真正有興趣者，可以一讀班雅明的《迎向靈光消逝的年代》，尤其第一篇，第二篇多在談電影，但前半部還是在談攝影的。也可見我的讀書心得：

http://mypaper.pchome.com.tw/news/cellar/3/1303155059/20080208025250/#centerFlag

另，一位大陸影友對攝影學會化的深刻反思和批判，我個人十分推薦大家讀一讀，順便附上攝影學會和貼圖文化相似的蓋章現象一段：


「順著這幾日我談攝影原教旨的思路，再重提一下今年〔第22屆中國攝影藝術展〕的獲獎作品。真正的攝影人雖早已鄙視這個展與獎，連吐沫都懶得啐給他們，但其中的一些獲獎者其實卻還長久地陶醉在鮮花與掌聲中，且以為自己真的很優秀，很成功，很具有攝影才華，很藝術家，很文化，很品位，很經典，很代表了中國攝影藝術的最高水準與境界......」
原文請見：

http://xiaochen.blshe.com/post/78/126003