於盧米埃發明電影百年紀念上，以丹麥導演Las Von Trier為首的青年導演發表了Dogme95宣言，作為法國新浪潮電影中作者論及好萊塢電影體制的反思：

一、現場拍攝。
二、聲音不得在影像之外製作。
三、手持攝影機。
四、拍攝彩色電影且不接受特殊燈光。
五、禁止光學和濾鏡效果。
六、不含虛假表面動作（如：謀殺、武器）。
七、禁止時間和地點的異化。
八、不接受類型電影。
九、影片規格為35釐米。
十、導演不在字幕上。

Dogme95的確是一次驚天動地的實驗，但若說這是開世人的一次大玩笑，從某些面向來看也未必是不正確的。因為這極可能便是當時這群青年導演的本意。

首先這些限制本身就是對電影工業技術發展的反動，在拍攝上全然摒棄後製加工的可能性，並無助於呈現真實或更加貼近真實，只是讓電影人更加縛手縛腳；電影本身即非真實，而是透過顯像技術對真實的再造與重現。若真正講究電影本身的真實性，何不要求一鏡到底、不拍重複Take，不換鏡位、不彩排、不勘景？

訂定這些不合情理的條文，是為了向發展已有百年之久，日漸邁入自我重複與類型化的商業電影體制的一次控訴，其背後的象徵意義遠大過實質意義。當電影人為了符合這些條文，而刻意選擇更拘謹且侷限的拍攝手法時，Dogme95本身也邁入了自我重複與類型化的窠臼。

其中最爭議性的例子莫過於Dogme95靈魂人物Las Von Trier日後拍攝的Dancer in the Dark與Dogville，大量運用剪輯、配樂、非真實場景，不啻為對Dogme95的一大背棄。

我始終覺得Dogme95第一號作品The Celebration裡頭一些俯角鏡頭如果不是用腳架，根本拍不出來的。當然這絲毫無損於The Celebration的動人之處，事實上，許多精彩的Dogme系列作品，即使不受這些條文限制而採用一般的拍攝手法，作品的精彩程度也不會有所折扣。

去年金馬有一部記錄片，便是在探討Dogme的意義，據說參與其事的導演紛紛在片中互相揭露彼此拍攝作假的事實。在下未曾得見該片，或許應請看過的人出來說說感想。